Category: Школьные сочинения

Ведущая тема творчества С. А. Есенина. Образ России в творчестве многих поэтов представал в сложном единстве необычайной красоты и граничащей с нищетой убогости, силы духа народа, его внутренней непобедимой мощи и многовековой рабской психологии. Не обошел своим вниманием “загадку русской души” и С. А. Есенин, пронесший через всю жизнь преданную любовь к Родине, создав ее неповторимый образ: “Моя лирика жива одной большой любовью к родине. Чувство родины – основное в моем творчестве”. Образ России в поэзии С. А. Есенина подвижен, изменяется жизнь общества и облик страны в более поздних стихотворениях также претерпевает изменения.

Особенности развития темы Родины в поэзии С. А. Есенина. Ранняя лирика С. А. Есенина представляет образ крестьянской Руси, с ее незатейливым бытом, но захватывающей дух красотой природы:

Край любимый! Сердцу снятся Скирды солнца в водах лонных. Я хотел бы затеряться В зеленях твоих стозвонных. “Крам любимый! Сердцу снятся…”

В образе родины чувствуются мощь и раздолье, бескрайние просторы и глубокая история, ее запахи и звуки наполняют счастьем сердце лирического героя, который не колеблясь делает выбор:

Если крикнет рать святая: “Кинь ты Русь, живи в раю!” Я скажу: “Не надо рая, Дайте родину мою”. “Гой ты, Русь, моя родная”

Есенинская Русь красочна, и цвета ее Символичны: “синий плат небес”, “синь сосет глаза”, “вечер голубой”, “роща золотая”, “полей малиновая ширь” и т. д. Голубой, синий, золотой, малиновый – вся цветовая палитра говорит о Божественном начале, разлитом в русском мире, что важно для поэта:

Не ветры осыпают пущи, Не листопад златит холмы. С голубизны незримой кущи Струятся звездные псалмы. Я вижу – в просиничном плате, На легкокрылых облаках, Идет возлюбленная мати С пречистым сыном на руках. “Не ветры осыпают пущи…”

Поэтика произведения строится на сочетании картин сельской жизни, пейзажных зарисовок и религиозных образов. Каждый лик природы олицетворяется, начинает жить своей жизнью. Человек неразрывно связан с природой, является ее продолжением:

О Русь – малиновое поле И синь, упавшая в реку, Люблю до радости и боли Твою озерную тоску. Холодной скорби не измерить, Ты на туманном берегу. Но не любить тебя, не верить Я научиться не могу. “Запели тесаные дроги…”

Исторические вихри вторгаются в размеренную жизнь Руси, меняют ее, и постепенно на смену крестьянской приходит новая Русь – железная и агрессивная:

Мир таинственный, мир мой древний, Ты, как ветер, затих и присел. Вот сдавили за шею деревню Каменные руки шоссе. Так испуганно в снежную выбель Заметалась звенящая жуть. Здравствуй ты, моя черная гибель. Я навстречу к тебе выхожу! “Мир таинственный, мир мой древний”

Первый порыв влюбленности, надежды на преобразования быстро рассеиваются и наступает горькое прозрение. Вышедшему из крестьянского мира, С. А. Есенину больно видеть уходящую Русь. В стихотворениях этого периода звучит предчувствие трагического будущего. В этом новом мире нет места поэта-певцу “золотой бревенчатой избы”:

Вот так страна! Какого ж я рожна Орал в стихах, что я с народом дружен? Моя поэзия здесь больше не нужна, Да и, пожалуй, сам я тоже здесь не нужен. “Русь советская”

С годами образы поэтики С. А. Есенина обретают все ярче выраженную философичность: автор старается осмыслить свое место в новом обществе, на фоне чего четко просматривается двойственность отношения к новым реалиям. Но что бы ни менялось вокруг, для Есенина всегда оставался неизменным факт: “Родина – это то, что просто и весомо, ясно; это то, что может устоять против любого урагана”.

Одна из главных тем творчества Чехова – разоблачение “пошлости пошлого человека”, особенно в быту и настроениях интеллигенции” Тема “Ионыча” – изображение мертвенной силы обывательщины и пошлости. Чехов рассматривает историю образованного, дельного врача Дмитрия Ионыча Старцева, превратившегося в провинциальной глуши в нелюдима и черствого эгоиста.

Действие рассказа развивается на фоне провинциального городка с его однообразной и скучной обывательской жизнью. Показывая постепенное перерождение своего героя, Чехов дает только переломные эпизоды его жизни, три нисходящие ступени.

В начале рассказа, когда Старцев только назначен земским врачом, он молод, бодр, жизнерадостен, он любит труд и свою профессию доктора. Старцев по своему развитию и интересам стоит выше городских обывателей. Он способен к искренним чувствам, любви, понимает поэзию природы, ему доступны романтические настроения. Но уже тогда Чехов намеками указывает на те черты своего героя, которые получат развитие и затем превратят его в “Ионыча”, прежде всего – практицизм и расчетливость. Так, например, когда в разгар своей любви к Котику Старцев приезжает к Туркиным делать предложение, он не забывает материальной стороны дела. “А приданного дадут, должно быть, немало”, – думал он, Чувство любви было искренним, но неглубоким. Получив от Екатерины Ивановны неожиданный отказ, ему “жаль было своего чувства, этой своей любви”, но тяжелое его настроение быстро прошло. Старцев за один год в земстве успел развить частную практику и его тянет к спокойной жизни.

Прошло четыре года. Чехов берет те стороны жизни Старцева, о которых говорил ранее, и показывает, как происходит увядание, опустошение человеческой души. Раньше старцев любил труд и с большим удовольствием работал в земской больнице, теперь у него большая практика в городе, и он гоняется лишь за рублем, потеряв интерес и сострадание к больным. Круг его интересов чрезвычайно сузился, и теперь волнуют лишь картежная игра и нажива. Глубину его душевного опустошения показывает его отношение к девушке, которую он недавно любил. Теперь при встречах с Екатериной Ивановной он чувствует лишь беспокойство и безотчетный страх за себя, за свою сытую, размеренную жизнь: “А хорошо, что я на ней не женился”.

Прошло еще несколько лет жизни “без впечатлений, без мыслей”. Старцев еще больше пополнел, ожирел, тяжело дышит и ходит, “откинув голову назад”. Жажда наживы окончательно овладела им и вытеснила другие чувства. Ему “некогда вздохнуть”, он, несмотря на громадную частную практику, не бросает и земского места, его одолела жадность, “хочется поспеть и здесь и там”. Он стал толстокожим и нечувствительным к чужому горю. Проходя через комнаты предназначенного для продажи дома, он, не обращая внимание на неодетых женщин и детей, тычет палкой и спрашивает: “Это кабинет? Это спальня? А тут что?”

Когда в клубе кто-нибудь заговаривает о Туркиных, он спрашивает: “Это вы про тех, что дочка играет на фортепьянах?” Так говорить о девушке, которую когда-то любил, пусть даже любовь и прошла, может только человек дошедший до последней степени духовной опустошенности.

Что привело Старцева к этому? Чехов утверждает, что обывательская среда, пошлая и ничтожная, губит лучшее, что есть в человеке, если в самом человеке нет некоего “идейного противоядия” и внутреннего осознанного протеста. История Старцева заставляет нас задуматься о том, что превращает человека в духовного урода. По-моему, страшнее всего в жизни – падение личности в трясину обывательства и пошлого мещанства.

Литературная деятельность М. В. Ломоносова проходила в ту эпоху, когда европейская литература находилась в максимальной или минимальной степени под влиянием классицизма. И, разумеется, поэт не мог до отдельной степени не покориться действию данного мощного стиля, его гражданской позиции, миропонимания, неподдельной веры в праведного совершенного государя. Однако он не был в глубоком значении художником-реалистом. Его творчеству далеко рационалистическое воззрение на реальность, на искусство, на слово, страх обнаружить выдумку. Ломоносов не задавался целью представить то, что лицезрел кругом себя, он жаждал объявить грандиозные истины, обнаружившиеся ему и народу. Он был не систематизатором настоящего, а творцом грандиозных видений будущего, и его оды самим своим стилем выражают эту устремленность к мечте, отказ от признания действительности помещичьего строя, достойной поэтического воплощения. С другой стороны, величественно-торжественный, приподнятый, пышный стиль од Ломоносова соответствовал тому чувству национального подъема, гордости, ощущению величия и победы русской государственности, которые явились результатом петровского времени в сознании лучших людей в середине 18 века.

Из всех поэтических жанров, развивавшихся в литературе того времени, жанр оды наиболее подходил Ломоносову “для решения стоявших перед ним задач”. Этот жанр, по словам А. В. Западова, “позволял соединить в большом стихотворении лирику и публицистику, высказаться по вопросам, имеющим государственное значение, и сделать это сильно, красиво, образно”.

Оды в России XVIII в. заказывались правительством, и их чтение было частью праздничного церемониала, но содержание и значение похвальных од Ломоносова намного шире и важнее их официально-придворной роли. Наделенные злободневным содержанием, его оды ставили на разрешение вопросы большой общественно-государственной значимости. Ломоносов посвящал свои оды Анне Иоанновне, Иоанну Антоновичу, Елизавете Петровне, Петру III, Екатерине II, и в каждой из них он развивал свои идеи и планы, связанные с судьбами русского народа. Но адресовались эти оды не только коронованным особам, но и через их головы должны были “сердца народов привлещи”.

Большое место среди од Ломоносова было отведено военным событиям. Начал он с победно-патриотической “Оды на взятие Хотина”, которую написал в 1739 году в Германии, непосредственно после захвата русскими войсками турецкой крепости Хотин, расположенной в Молдавии. Эта блестящая победа произвела сильное впечатление в Европе и еще выше подняла международный престиж России. Ломоносов гордился славой русского оружия и мощью русского государства, способного постоять за себя перед лицом любого врага. Но, восхищаясь военной мощью России, Ломоносов видел и те страдания, “плач осиротевших”, “слезы престаревших”, которые несет война простым людям. Поэтому, прославляя оборонительные войны, Ломоносов отдавал предпочтение мирному состоянию народов, которое называл “возлюбленной тишиной”, “царей и царств земных отрадой”, и почти в каждой оде призывал правителей заботиться о сохранении мира.

Возможно ль при твоей державе,

В Европе страшну зреть войну,

-обращался он в 1759 г. к Елизавете и просил ее “низвергнуть” “брань с концов земных”. Тот же призыв он повторил и в оде 1761 г., предлагая:

Размножить миром нашу славу

И выше как военный звук

Поставить красоту наук.

У Ломоносова была четко продуманная программа, касающаяся мирного процветания народов. Он прекрасно видел неисчерпаемые богатства России: ее полноводные реки, плодоносные земли, сказочные недра. Обилие природных богатств, среди которых и “драгой металл” Уральских гор, и сокровища, “какими хвалится Индия” – залог будущего благополучия русского народа. Главной задачей своего времени Ломоносов считал распространение наук, которые помогут овладеть этими сокровищами. Так, в оде 1750 г. он обратился к своим соотечественникам с призывом к творческим изысканиям, к научным открытиям, охватывающим все отрасли экономической жизни страны.

Ломоносов, как и все передовые, прогрессивно мыслящие люди XVIII в., мечтал о культурном самоутверждении России в Европе, поэтому в его одах звучит также страстный призыв к молодому поколению посвятить себя служению науке, сменить чужеземных ученых на этом поприще.

При этом Ломоносов не считал научную деятельность привилегией дворянства. Он был убежден, что талантливых людей, собственных Платонов и Невтонов, может рождать российская земля.

Кроме того, в своей разносторонней деятельности ученого-исследователя Ломоносов был противником “чистой” науки, поэтому и в одах воспевал науки как комплекс знаний, необходимый для практического применения. Механика должна заняться кораблестроением, созданием каналов, соединяющих “моря реками”, осушением болот, градостроительством. Химия, проникнув в “земное недро” России, должна открыть “драги сокровища”. География должна заняться составлением карт “Российского пространства света”, нанеся на них и грады, и села и т. д.

Ломоносов был искренне убежден в том, что именно занятия науками должны сделать человека счастливым. Так, в оде 1747 г. он заявляет о пользе науки для людей всех возрастов в самых различных обстоятельствах.

Несмотря на то, что жанр оды Ломоносова, подчиненный общегосударственной и общенациональной проблематике, казалось бы, исключает в нем личность самого поэта, мы представляем себе их автора сторонником мира, неутомимым поборником просвещения и прогресса, страстным борцом за развитие национального самосознания российского народа.

Гуковский, посвятивший большую часть своих научных исследований изучению литературно-общественной жизни России XVIII в., подчеркивал исключительную важность поэтической деятельности М. В. Ломоносова. По его мнению, оценка “явилась великим и победным этапом развития русской культуры” не только благодаря идеям, воплощавшим идеалы высоких чувств, мыслей и вечных истин, но и благодаря исключительному и невиданному еще в России “блеску поэтического стиля, воплощавшего эти идеи и глубоко соответствовавшего им”.

Романы Л. Н. Толстого и Маргарет Митчелл вряд ли можно сравнивать по глубине содержания, масштабу поднятых проблем. Они и написаны в разное время: роман Толстого создавался в середине XIX века, а “Унесенные ветром” – в XX веке. И замыслы у писателей были разные. Толстой, задумав писать историю одного из декабристов, в итоге создал роман о событиях 1812 года, а подлинным героем здесь стал русский народ. Наташа Ростова – всего лишь одна из его представителей, вобравшая в себя главные черты русского характера. Роман Маргарет Митчелл – роман о выживании в сложную эпоху Гражданской войны 1861 -1865 годов и в послевоенные годы становления американского государства.

Но так случилось, что героини обоих романов воспринимаются как символы национальных характеров. И этим они интересны. Сама Маргарет Митчелл была удивлена популярностью своей героини у соотечественников: “Я нахожу нелепым и смешным, что мисс О’Хара стала чем-то вроде национальной героини, я думаю, что это очень скверно для морального и умственного состояния нации”. Но Скарлетт шла по стране, как триумфатор, в ней угадывали что-то родное, неотъемлемо американское. Она умела за себя постоять, она всегда поднималась после поражений, находила выход из любых ситуаций. Старая негритянка говорит о ней: “Мисс Скарлетт все может вынести, что Господь пошлет, потому что ей уже много испытаний было послано”. Внешняя привлекательность Скарлетт, решительность и несокрушимая смелость – все эти черты делали героиню достойной поклонения. Чем же пугала ее создательницу популярность героини? В самом английском звучании имени Скарлетт есть и алый цветок, наподобие нашего горицвета, и болезнь. Ее имя соединило в себе идеал и порок, став точным отражением характера. В Скарлетт привлекает жажда жизни, сильный и острый ум, направленный на преодоление любых преград. Умение побеждать их – наиболее притягательная черта Скарлетт, очень близкая тем, кто мечтал утвердиться в новой Америке. Но в мире оголтело практического интереса невозможно не растерять внутренних ценностей, духовной культуры. Героиня Митчелл оставляет заботу о духовности до лучших времен, потому что нельзя быть леди, не имея денег. И добывание их становится для Скарлетт главной целью, ради которой можно перешагнуть через все. А потом уже “она сможет быть доброй и мягкой, какой была Эллин, и будет печься о других и думать о соблюдении приличий…” Любимое изречение Скарлетт: “Я об этом подумаю завтра…” Так изо дня в день гонит она от себя мысли о совести, морали, о духовности и правилах приличия. Пока наконец Ретт Батлер не поставит “диагноз”: “Мы оба негодяи”. Но Скарлетт некогда об этом думать, она не может тратить ни сил ни времени на самоанализ и муки совести, на поиски истины и смысла жизни, когда у нее есть конкретная цель: “Завтра я найду способ вернуть Ретта”. Так заканчивается роман “Унесенные ветром”. Какое существительное упущено в названии? Иллюзии? Сомнения? Духовные ценности? Скорее всего, – все, что мешает в борьбе за выживание, а потом за процветание.

Может быть, оттого что героине Толстого, Наташе Ростовой, русской аристократке, графине по рождению и воспитанию, не приходилось бороться за место под солнцем, в ее жизни духовные ценности занимают гораздо большее место? В час испытаний для всего народа, во время отступления из Москвы она приказывает освободить телеги для раненых, не задумываясь, сбрасывает с них сундуки с добром, с семейными реликвиями и последними ценностями разоряющегося семейства. Скарлетт во время войны тоже спасает жену Эшли и новорожденного ребенка. Но ею руководит корыстная мысль о том, что скажет ее возлюбленный Эшли, если она не сумеет спасти его близких. Она умеет рассчитывать, видеть свою выгоду всегда и во всем. Наташа – бескорыстна и искренна. Она вся – порыв чувств, эмоций. Появившись в романе “нечаянно, с нерассчитанного разбега”, она так и будет поступать всю жизнь, и мы будем любить ее за эту нерассчитанность поступков, за стремление чувствовать за всех, за страстное желание жить и участвовать во всем. В мире Наташи Ростовой огромное место занимают люди, их страдания, их радости. Она умеет понимать и любить их. Уже в пятнадцать лет она задает себе вопросы, которые Скарлетт откладывает “на завтра”: что благородно, что неблагородно, как можно и как нельзя поступать. И, ошибаясь, жестоко страдает. Хотя ей тоже больше всего на свете хотелось быть счастливой.

Сам Толстой видит в своей героине воплощение русского характера: “Где, как, когда всосала в себя из того русского воздуха, которым она дышала, – эта графинечка, воспитанная эмигранткой-француженкой, – этот дух, откуда взяла она эти приемы?..” Эта тоненькая графиня в шелку и бархате “умела понять все то, что было и в Анисье, и в отце Анисьи, и в тетке, и в матери, и во всяком русском человеке”.

Два народа – две героини. Наташа Ростова и Скарлетт О’Хара при всей своей неповторимой индивидуальности вобрали в себя характерные черты своего народа. В их национальной колоритности истоки их различия и причина интереса к ним читателей того и другого народа.

Место Гаева в системе образов произведения

Для понимания восприятия Чеховым дворянства необходимо рассматривать и характеристику Гаева в пьесе “Вишневый сад”, брата главной героини, практически двойника Раневской, однако менее значительного. Поэтому в списке действующих лиц он обозначен “братом Раневской”, хотя он старше ее и имеет столько же прав на имение, как и сестра.

Гаев Леонид Андреевич-помещик, “проевший состояние на леденцах”, ведущий праздный образ жизни, но ему странно, что сад продают за долги. Ему уже 51 год, но у него нет ни жены, ни детей. Он живет в старом имении, которое разрушается у него на глазах, под опекой старого лакея Фирса. Однако именно Гаев все время пытается занять у кого-нибудь денег, чтоб покрыть хотя бы проценты по долгам и своим и по сестриным. А его варианты погашения всех кредитов больше похожи на несбыточные мечты: ” Хорошо бы получить от кого-нибудь наследство, хорошо бы выдать нашу Аню за очень богатого человека, хорошо бы поехать в Ярославль и попытать счастья у тетушки-графини…”

Образ Гаева в пьесе “Вишневый сад” стал карикатурой на дворянство в целом. Все отрицательные стороны Раневской нашли более уродливое отношение в ее брате, тем самым еще более подчеркивая комизм происходящего. В отличии от Раневской, описание Гаева в основном находится в ремарках, которые раскрывают его характер через действия, в то время как персонажи крайне мало говорят о нем.

Особенности характера Гаева

О прошлом Гаева рассказывается очень мало. Но понятно, что он человек образованный, умеющий обличать свои мысли в красивые, но пустые речи. Всю жизнь он прожил в своем имении, завсегдатай мужских клубов, в которых предавался своему любимому занятию-игре в бильярд. Все новости он приносил именно оттуда и там же получил предложение стать служащим банка, с годовым окладом в шесть тысяч. Однако для окружающих это было очень удивительно, сестра говорит: ” Где тебе! Сиди уж…”, сомнение высказывает и Лопахин: “Только ведь не усидит, ленив очень…”. Единственным человеком, который верит ему, является его племянница Аня ” Я верю тебе дядя!”. Чем же вызвано такое недоверие и в чем-то даже пренебрежительное отношение со стороны окружающих? Ведь даже лакей Яша показывает свое неуважение к нему.

Как уже было сказано, Гаев – пустослов, в самые неподходящие моменты он может пуститься в разглагольствования, так, что все окружающие просто теряются и просят его молчать. Леонид Андреевич и сам это понимает, но это часть его натуры. Так же он очень инфантилен, не способен отстаивать свою точку зрения, да и сформулировать ее толком не может. Ему так часто нечего сказать по существу, что постоянно звучит его любимое слово ” Кого” и появляются совершенно неуместные бильярдные термины. Фирс до сих пор ходит за своим хозяином как за малым дитем, то с брючек пыль стряхивает, то несет ему теплое пальто, и для пятидесятилетнего мужчины ничего зазорного в такой опеке нет, даже спать он идет ложиться под чутким взором своего лакея. Фирс искренне привязан к хозяину, но даже Гаев в финале пьесы “Вишневый сад” забывает про своего преданного слугу. Он любит своих племянниц и свою сестру. Вот только стать главой семьи, в которой он остался единственным мужчиной, так и не смог и помочь никому он не может, так как ему это в голову даже не приходит. Все это показывает, насколько неглубоки чувства этого героя.

Для Гаева вишневый сад значит так же много, как и для Раневской, но, как и она не готов принять предложение Лопахина. Ведь разбить имение на участки и сдавать в аренду “пошло”, во многом по тому, что это приблизит их к таким дельцам как Лопахин, а для Леонида Андреевича это недопустимо, так как он считает себя истинным аристократом, поглядывая свысока на таких вот купцов. Вернувшись в подавленном состоянии с аукциона, на котором было продано имение, у Гаева на глазах лишь слезы, и едва услышав удары кия об шары, они высыхают, еще раз доказывая, что глубокие переживания ему попросту не свойственны.

Гаев как заключительная ступень эволюции дворянства в творчестве А. П. Чехова

Гаев замкнул цепь, состоящую из образов дворян, созданных Чеховым на протяжении всей творческой жизни. Он создал “героев своего времени”, аристократов с прекрасным образованием, не способных отстаивать свои идеалы, и именно эта слабость позволила занять господствующее положение таким, как Лопахин. Для того, что бы показать насколько обмельчали дворяне, Антон Павлович максимально занизил образ Гаева, доведя его до карикатуры. Многие представители аристократии очень критично отнеслись к такому изображению своего класса, обвиняя автора в незнании их круга. Но ведь Чехов и хотел создать даже не комедию, а фарс, что у него с успехом получилось.

Рассуждения об образе Гаева и описание особенностей его характеры может быть использована учениками 10 классов во время написания сочинения на тему “Характеристика Гаева в пьесе “Вишневый сад”.

А ныне – сам скажу – я ныне

Завистник. Я завидую; глубоко,

Мучительно завидую.

А. Пушкин. Моцарт и Сальери

В одной из своих “маленьких трагедий” “Моцарт и Сальери” А. С. Пушкин пытается раскрыть причины нравственного падения одного из самых талантливых композиторов своего века.

В начале трагедии мы слышим своеобразную исповедь Сальери, его размышления о своем призвании музыканта. Перед нами появляется образ трудолюбивого и настойчивого человека, который упорно стремится к желанной цели и, даже терпя неудачи, не теряет веры в себя.

Усильным, напряженным постоянством Я наконец в искусстве безграничном Достигнул степени высокой. Слава мне улыбнулась…

Сальери занимается любимым делом и от души радуется успехам друзей, его товарищей “в искусстве дивном”. Даже самых талантливых из них, тех, которые превосходят его в постижении “глубоких, пленительных тайн” музыки, Сальери считает равными себе, потому что, пользуясь их открытиями, постоянно совершенствует свое мастерство.

Кто скажет, чтоб Сальери гордый был Когда-нибудь завистником презренным, Змеей, людьми растоптанною, вживе Песок и пыль грызущею бессильно?

Но вот появляется Моцарт, который не только пишет чудесные произведения, но и, кажется, сам рожден прекрасной музыкой. Создается впечатление, что все дается Моцарту легко, без труда, и с этим Сальери не может смириться:

Где ж правота, когда священный дар, Когда бессмертный гений – не в награду Любви горящей, самоотверженья, Трудов, усердия, молений послан – А озаряет голову безумца, Гуляки праздного?..

Сальери понимает, что он прежде всего – ремесленник, стремящийся поверить “алгеброй гармонию”, и поэтому божественный дар, доставшийся легкомысленному и веселому Моцарту, воспринимает с гнетущим чувством зависти. И в то же время его раздражает, что соперник относится к посланному ему свыше таланту с легкостью и беспечностью, тогда как в словах самого Сальери постоянно слышится превосходство над обычными людьми, не имеющими доступа к тайнам музыки. Сальери искренне считает, что Моцарт “недостоин сам себя”.

Ты, Моцарт, бог, и сам того не знаешь; Я знаю, я.

Движимый завистью, ревностью и гордыней, Сальери наделяет себя правом судить другого человека, достигшего больших высот в своем деле, чем он сам. Он убеждает себя в том, что никто никогда не сможет повторить Моцарта, и поэтому его искусство губительно:

Что пользы, если Моцарт будет жив И новой высоты еще достигнет? Подымет ли он тем искусство? нет; Оно падет опять, как он исчезнет: Наследника нам не оставит он. Что пользы в нем?

Так Сальери приходит к мысли отравить Моцарта. Говоря, что заботится о благе человечества и искусства, он обманывает сам себя. На мой взгляд, нет и не может быть прощения человеку, не только идущему на предательство друга и его убийство, но и лишившему мир неповторимого таланта.

С именем А. Н. Островского связана совершенно новая страница в истории российского театра. Этот величайший русский драматург был первым, кто поставил перед собой задачу демократизации театра, а потому он приносит на сцену новые темы, выводит новых героев и создает то, что можно с уверенностью назвать русским национальным театром.

Драматургия в России, безусловно, имела богатую традицию и до Островского. Зрителю были известны многочисленные пьесы эпохи классицизма, существовала и реалистическая традиция, представленная такими выдающимися произведениями, как “Горе от ума”, “Ревизор” и “Женитьба” Гоголя. Но Островский вступает в литературу именно как писатель “натуральной школы”, а потому объектом его исследования становится жизнь невыдающихся людей, быт города. Жизнь русского купечества Островский делает темой серьезной, “высокой” комедии, писатель явно испытывает на себе влияние Белинского, а потому связывает прогрессивное значение искусства с его народностью, причем отмечает значимость обличительной направленности литературы. Определяя задачу художественного творчества, он говорит: “Публика ждет от искусства облечения в живую, изящную форму своего суда над жизнью, ждет соединения в полные образы подмеченных у века современных пороков и недостатков…”

Именно “суд над жизнью” становится определяющим художественным принципом творчества Островского. В комедии “Свои люди – сочтемся” драматург высмеивает основы жизни русского купечества, показывая, что людьми движет, прежде всего, страсть к наживе. В комедии “Бедная невеста” большое место занимает тема имущественных отношений между людьми, появляется образ пустого и пошлого дворянина. Драматург пытается показать, как среда развращает человека. Пороки его персонажей почти всегда являются следствием не их личных качеств, а той обстановки, в которой живут люди.

Особое место в творчестве Островского занимает тема “самодурства”. Писатель выводит образы людей, смысл жизни которых заключается в подавлении личности другого человека. Таковы Самсон Большов, Марфа Кабанова, Дикой. Но писателя, конечно, интересует не сама личность самодуров. Он исследует тот мир, в котором живут его герои. Герои пьесы “Гроза” принадлежат к патриархальному миру, и их кровная с ним связь, их подсознательная от него зависимость – скрытая пружина всего действия пьесы, пружина, заставляющая героев совершать по большей части “марионеточные” движения. Автор постоянно подчеркивает их несамостоятельность. Образная система драмы почти повторяет общественную и семейную модель патриархального мира. В центр повествования, как и в центр патриархальной общины, помещены семья и семейные проблемы. Доминанта этого малого мирка – старшая в семье, Марфа Игнатьевна. Вокруг нее группируются на различном отдалении члены семейства – дочь, сын, невестка и почти бесправные обитатели дома: Глаша и Феклуша. Та же “расстановка сил” организует и всю жизнь города: в центре – Дикой, на периферии – лица все менее и менее значительные, не имеющие денег и общественного положения. Островский, видел принципиальную несовместимость патриархального мира и нормальной жизни, обреченность застывшей, не способной к обновлению идеологии. Сопротивляясь надвигающимся новшествам, вытесняющей его “всей стремительно несущейся жизни”, патриархальный мир вообще отказывается эту жизнь замечать, он творит вокруг себя особое мифологизированное пространство, в котором – единственном – может быть оправдана его угрюмая, враждебная всему чужому замкнутость. Такой мир давит личность, и не важно, кто фактически осуществляет это насилие. По словам Добролюбова, самодур “бессилен и ничтожен сам по себе; его Можно обмануть, устранить, засадить в яму, наконец… Но дело в том, что с уничтожением его не исчезает самодурство”.

Конечно, “самодурство” – не единственное зло, которое Островский видит в современном ему обществе. Драматург высмеивает мелочность стремлений многих своих современников. Вспомним Мишу Бальзаминова, который мечтает в жизни лишь о голубом плаще, “серой лошади и беговых дрожках”. Так в пьесах возникает тема мещанства. Глубочайшей иронией отмечены образы дворян – Мурзавецких, Гурмыжских, Телятевых. Страстная мечта об искренних человеческих отношениях, а не любви, построенной на расчете, составляет важнейшую черту образа Ларисы из пьесы “Бесприданница”. Островский всегда выступает за честные и благородные отношения между людьми в семье, обществе, вообще жизни.

Островский всегда считал театр школой воспитания нравов в обществе, понимал высокую ответственность художника. А потому он стремился к изображению правды жизни и искренне хотел, чтобы его искусство было доступно всему народу. И Россия всегда будет восхищаться творчеством этого гениального драматурга. Не случайно Малый театр носит имя А. Н. Островского, человека, который посвятил русской сцене всю свою жизнь.

Глава 3. Педро Кальдерон и барокко

3.5. “Трагический гуманизм” барокко Обратимся к нескольким примерам, в которых ярко проявляются образы барокко, сложные по характеру, в которых прежде всего чувствуется сочетание полярных начал, явно контрастных, намеренно сопоставляемых для выявления внутреннего напряжения данного образа. Таковым представляется нам образ Фернандо. В одном из первых своих монологов герой выражает противоречивое восприятие мира. Перед читателем раскрывается природа “трагического гуманизма” барочной философии, что познало Новое время. Слова героя “Я знаю, я смертен” – своего рода окончательный аргумент в споре о том, что такое, кто такое человек. Это даже не атом и уж тем более не венец творения, и не царь природы, а действительно “тень, промелькнувшая на мгновение и исчезнувшая навсегда из мира” (Паскаль). В то же время здесь перед нами раскрывается та внутренняя напряженность, что владеет душой и разумом человека данной эпохи. Подтверждением тому могут служить слова героя: “То не отчаянье, не думай. Меня не отвращает жизнь…”. Человек жаждет жить полнотой самой жизни, но разум, но вера как необходимое ограничение стоят на страже человеческих чувств, особенно страстей. Человек каждую секунду обязан и должен помнить о смерти как о чистоте своих помыслов и поступков. Образ предстает в своей контрастности, соединяя в одном понимании понятия “жизнь” и “смерть”. Образ метафоричен и риторичен прежде всего. Выражение “колыбель как гроб” – это одновременно понятие “жизни” и понятие “смерти”, которые выступают как единое целое – две стороны одной линии – линии жизни. Кроме того, слова “вверх”, “вниз”, “поднимаются”, “опускаются” – символ строгой определенной вертикальной направленности мира и разума человека (как готический стиль в искусстве). В готике нет сомнений в призвании человека, в барокко это же признание приходит через преодоление человеческой сущности в мучительном отказе от чувственной природы, собственной плоти (как быть с ними – ведь в этом и сам человек), отсюда образное нагромождение барокко, невозможность или ненужность сфокусировать четкость и точность изображения. Жизнь сложна, поэтому и отображение его должно быть сложным. В строках: “Так близко мы живем от смерти, // Так тесно при рожденьи нашем. // Сливаются черта с чертой, // И колыбель, и ложе мглы…” проявляется не отчаяние человека, а волевое признание скоротечности человеческой жизни, которая дается от бога как линия судьбы. Не случайно герой несколько раз повторяет, варьируя слова, высказывание: “Рождаясь, человек всегда есть раб судьбы своей и смерти”.

Глава 1. Характеристика европейской литературы XVII века

1.2. Литературный процесс: ренессансный реализм XVII век продолжает претворять ренессансные традиции в литературе в условиях изменяющейся исторической картины мира. Ренессансный реализм не сформировался в самостоятельное направление в XVII в., но оказал существенное влияние на художественное мировоззрение писателей барокко и классицизма. В отличие от гуманизма эпохи Возрождения ренессансный реализм исходил из иных идейных представлений о человеке: 1) провозглашал главным разум человека, подчеркивая не гармоническое сочетание разума и духа, как в Возрождении, а наоборот противопоставляя два понятия – разум и дух; 2) представители данного направления, признавая идеи целостности человеческой природы, не верят в изначальную доброту человека, а проверяют понятие добродетели человека через различные жизненные обстоятельства. Для ренессансного реализма характерно стремление к обобщенному, гиперболическому изображению человеческой личности, который находится в остром конфликте с косным, недобрым миром. В изображении доминирует обязательно определенная сложная трагедийная ситуация. Острота критических суждений сочетается одновременно с утверждением гуманистического идеала, мечтами о счастливом мире, гармоничной жизни. Именно такое восприятие мира в творчестве Лопе де Веги, яркого представителя ренессансного реализма в Новом времени. Произведения писателя направлены на преодоление дисгармоничности мира, дуалистичности человеческой природы, порожденной Новым временем. Драмы Лопе де Веги “Фуэнте Овехуна”, “Звезда Севильи”, “Собака на сене”, “Глупая для других, умная для себя” и другие полны утверждающего оптимизма, веры в человека. Опираясь на традиции литературной античности, драматург исходил из требований своего времени: создавать реалистические – живые картины, показывать настоящего человека, а не декларированного правилами и нормами античного искусства “неживую” личность. Поэтому в творчестве Лопе де Веги мы находим по-настоящему живых героев, полных чувств, терзаний, смятений и борьбы с различными обстоятельствами мира и собственными недостатками. Главным требованием Лопе де Веги был принцип “правдоподобия”. Писатель обязан был изображать в произведениях то, что он сам видит в жизни. При этом, с точки зрения драматурга, необходимо было соблюдать тщательный отбор будущего художественного материала: в основу произведения должны были лечь события государственного национального масштаба.

Уже при первом упоминании о начале работы над новой пьесой в 1901 году, А. П. Чехов сообщил своей супруге, что задумал он новую пьесу, причем такую, в которой все будет перевернуто вверх дном. Именно это предопределило жанр “Вишневого сада”, как комедию. К. С. Станиславский, который ставил “Вишневый сад” на сцене, воспринял пьесу как трагедию, и именно такую трактовку передал на сцене, чем вызвал глубокое недовольство драматурга и обвинение автора в том, что режиссер не понял смысла произведения. Хотя комедийный жанр пьесы “Вишневый сад” Чехов старался передать множеством приемов: присутствие небольшого циркового представления в фокусах Шарлотты Ивановны, неуклюжесть Епиходова, падение Пети с лестницы, беседы Гаева с мебелью.

Также авторское определение жанра “Вишневого сада” просматривается и в расхождениях: в характерах самих героев пьесы внешний облик расходится с внутренним содержанием. Для Чехова страдания его героев – это всего лишь отражение слабых неуравновешенных характеров людей, несклонных к глубокому осмыслению происходящего и неспособных на глубокие чувства. Например, Раневская, говорящая о любви к своей Родине, о тоске по своей усадьбе, без сожаления собирается возвратиться в Париж. А устройство бала в день торгов? Вроде такой день напряженный, а она приглашает в дом гостей. Ее брат показывает практически такое же легкомыслие, всего лишь стараясь казаться опечаленным сложившейся ситуацией. После торгов, практически рыдая, он жалуется на свое угнетенное состояние и усталость, но лишь услышав звуки игры в бильярд, сразу оживляется. Тем не менее, даже используя такие яркие особенности жанра, авторской интерпретации комедия “Вишневый сад” так и не увидела. Только после смерти Чехова пьеса была поставлена как трагикомедия.

Споры о жанровой принадлежности “Вишневого сада”

Начиная с первой постановки и по сегодняшний день, ведутся разговоры о жанровом своеобразии “Вишневого сада”, а с обозначением жанра пьесы так до сих пор театралы и не определились. Конечно, проблема жанра встречается и в других пьесах Антона Павловича, например, в “Чайке”, но только из-за “Вишневого сада” разгорелась жаркая дискуссия между автором и руководителями театра. Для каждого: и постановщика, и критика и даже зрителя “Вишневый сад” был своим, и каждый видел в нем что-то свое. Даже Станиславский после смерти Чехова признал, что изначально он не понял идеи этой пьесы, утверждая, что “Вишневый сад” – это “тяжелая драма русской жизни”. И лишь в 1908 году последнее творение Чехова было поставлено как лирическая комедия.