Category: Сочинения по картинам

По мнению многих историков, художник Кустодиев был увлечен изучением истории своей родины. На своих картинах он старался воссоздать быт и нрав русского народа. Так же он известен своими работами в таком жанре, как исторический портрет. Одна из его знаменитых репродукций, картина “Земская школа в Московской Руси”, которую он нарисовал в 1907 году.

На картине мы видим земскую школу, ничем не приметную для того времени. Семь мальчиков сидят на занятии. Пять человек сидит за партами, и стараются обучиться письму перьями. Их лица сконцентрированы. На мой взгляд, они очень стараются выполнить задание. Нужно отметить двух мальчиков изображенных на картине, они стоят перед учителем на коленях и читают книгу. От сюда можно сделать вывод, что не все ученики старательно и прилежно выполняют задания, некоторых приходится заставлять. Скорее всего, оба сорванца, наказаны за шкодливость. Преподаватель нарисован в правой части картины. Вид у него строгий и серьезный, на мой взгляд, человек горд своей профессией. Раскрытая книга, лежащая на учительском столе, не привлекает к себе его внимания. Его внимание сосредоточено за действиями учеников. Мне кажется, что художник изобразил справедливого учителя, способного не только наказать, но и похвалить своих учеников.

В старые времена, родители стремились к тому, что бы их дети учились в школе и получали образование. Поэтому земские школы были особенно ценны для русского народа. Кустодиев изобразил земскую школу со строгой обстановкой, и одновременно уютной, от которой веет теплом. Я думаю, изображенная деревянная мебель, пол и стены создают этот самый уют и тепло. Художник в своем произведении показывает школу чистой, пол хоть и не покрашен, но натерт до блеска. Окна вычищены так, что солнечный свет так и струится внутрь. На мой взгляд, любимым цветом автора был зеленый, именно оттенков этого цвета больше всего на картине. Художник как бы показывает нам, что нет ничего важнее образования. Что во все времена к образованию необходимо подходить с особой ответственностью.

Творчество Федотова настолько разнообразно, что им можно бесконечно любоваться. Но есть и единое во всех полотнах живописца – это его попытка самому посмотреть на мир с улыбкой и попытаться всем зрителям подарить хорошее настроение. Вот и картина “Сватовство майора” не исключение. Чем так примечательна работа художника? Какое мое отношение к его творчеству?

Волнительная и радостная, предвкушающая много эмоций атмосфера царит в доме купца. Нарядно одетые дамы, словно сегодня какое-то необычное торжество не скрывают своего возбуждения. И причина этого в том, что на пороге уже стоит очень желанный гость, на которого необходимо произвести неизгладимое впечатление. Ведь он жених! Майор промотал все свои сбережения, и теперь вынужден искать себе партию среди купеческих дочерей, коей и является дочь хозяев дома, в который он сейчас и пришел. Отец девушки охотно согласится на этот брак, ведь офицер дворянин, а значит, его дочь ждет благополучное будущее. Он первый отправляется встретить своего будущего родственника и поприветствовать его.

В то время, пока майор браво разглаживает свои усы, в комнате царит настоящая суета. Вошедшая сваха сообщает о приехавшем на смотрины женихе. Все присутствующие ждали этого события. Ведь на столе наготовлены разные угощения. А сама невеста, как и ее мать, разряжена во все самое красивое и модное. Но нервы девушки не выдерживают, и она бросается к выходу, чтобы убежать. Родительница, схватив ее за платье, пытается остановить. Такое жеманство явно не поощряет взглядом кухарка, что зашла с пирогом в комнату. Спокойна во всей этой кутерьме только умывающаяся кошка.

Федотов пользуется прекрасным способом показывать значимость персонажей, выделяя их цветовой гаммой. Главный акцент картины делается на яркое светлое платье будущей невесты. Оно такое прекрасное, что напоминает подвенечное. Жених тоже выделен, благодаря тому, что художник изобразил его находящемся в хорошо освещенной комнате. Служанка и маменька в светлых платьях одинакового тона, это следующие фигуры, которые обращают на себя внимание. Еще одним персонажем, на который живописец делает упор – сваха. Именно ее красный наряд показывает смысл этой встречи. Отец и две женские фигуры остаются в тени своего черного, похожего на тень одеяния.

Такая картина надолго запомнится. Она позволила лучше понять многогранный талант художника. Каждый образ подан с некой долей юмора, но при этом так подробно описан, что его личная история легко мною, как и многими другими зрителями прочитывается.

Неоднократно Васнецов прибегал в религиозной тематике в своих работах. Картина “Единородный Сын Слово Божие” представлена и в виде фрески во Владимирском соборе. Данная работа посвящена понятию “свобода”.

На центральной ее части художник нарисовал Иисуса Христоса в юношестве. Он одет в белые одежды, от образа исходит свежесть и светлость. Все это указывает на божественность. Несмотря на то, что его тело еще не достаточно крепкое, выражение лица, наоборот, олицетворяет духовность и нравственность. Особенно это видно, если обратить внимание на контрастность образа, души и тела. Он знает о предначертанной ему судьбе и готов принять ее.

В руках у Иисуса – большой крест во весь его рост и развернутый свиток. Он изображен спокойным, но предельно серьезным. Его глаза не смотрят на зрителя, взгляд отведен в сторону. В этом заключается отличие от икон. Вокруг его фигуры автор изобразил летающих ангелов с небес, зверей и птиц в облаках. Они все склонили свои головы к Христу. У каждого из них – нимб на голове. Все они олицетворяют надежду и смотрят на Иисуса с любовью. Они изображены с крыльями, даже те, которые их не имеют в реальности.

Картина пронизана идеей победы Иисуса Христа над неминуемой смертью. Идя за ним, каждый сможет принять эту неизбежность. Преимущественно в работе над картиной автор использовал белые и голубые тона – символ чистоты, веры, надежды, одухотворенности. Причем голубые тона он использовал самых разных оттенков – от цвета морской волны, до синего. Рядом с Иисусом изображены облака очень необычных оттенков синего цвета. Кроме нимба над Иисусом, автор показал за ним белый круг, как образ солнца, света, спасения мира. Основная сюжетная линия показана на переднем плане, а задний план является лишь дополнением божественного образа.

Михаил Васильевич Нестеров знаменитый религиозный художник. Религиозным его называют как, потому что он родился в такой семье, так и потому что именно благодаря картинам на религиозные темы он стал знаменитым. Одной из самых значительных картин автора есть холст “Видение отроку Варфоломею”. Посвятил ее художник св. Сергию Радонежскому. Эта картина открыла целый цикл произведений, посвященных русскому религиозному идеалу.

Михаил Нестеров очень интересовался жизнью св. Сергия. Он был очень почитаем в его семье и не только. Св. Сергий был надеждой Руси на духовное возрождение монастырской жизни. Многие последовали за ним. В монастырях возводили храмы, создавали иконы, переписывали летописи. Автор, во время работы над произведением, проживал в пределах Троице-Сергиевой лавры для посещения мест деятельности св. Сергия.

Сюжетом картины служит эпизод из жизни святого. Он по просьбе отца искал пропавшее стадо, и там ему было видение. Незнакомый и таинственный старец одарил его даром постижения смысла Священного Писания и премудрости.

Но для того чтобы любоваться картиной, необязательно знать историю, так само произведение выполнено замечательно. Михаил Нестеров много внимания уделил деталям. Насколько красиво он изобразил холмы и равнины, как прорисовал каждую травинку и листики на деревьях, насколько чудесно представлены одежды мальчика и старца. Во всех этих деталях видно смысл произведения. Оно очень доброе, светлое, чистое и эмоциональное. Помимо самого главного момента картины – это мальчика и старца, там есть чем еще любоваться и на что смотреть. Возможно, поэтому картина обрела бессмертия, на которое автор даже не надеялся.

Левитан Исаак Ильич – известный русский пейзажист. Значительную роль в его творчестве занимает церковный пейзаж. Одной из самых знаменитых произведений этого жанра есть его работа “Тихая обитель”.

Эта картина проста и в тоже время прекрасна. Красивое летнее утро. Спокойная речная гладь бесшумно отражает красоты природы. Погода стоит спокойная и безветренная. На светлом небе, где нигде проплывают маленькие тучки. Через речку расположен деревянный мостик. На другом берегу среди густо насаженных, зеленных стволов деревьев виднеются купола церкви и колокольня небольшого монастыря. Во всей картине чувствуется тишина и спокойствие. Автор любовался и наслаждался таким прекрасным видом. Он с такой любовью передал увиденную красоту на полотно. Это чувствуется в маленькой тропинке, которая ведет к мосту, а потом продолжается уже к самому монастырю. В цвете деревьев. Они такого темно зеленного цвета, как бут-то охранники святыни стоят по всем сторонам. Очень красиво на зеленом фоне травы виднеются маленькие белые цветочки. Они, как жемчужинки, переливаются на утреннем солнышке. Весь пейзаж какой-то сказочный, даже не реальный. Эти переливы красок бело-золотых храмов, розово-голубого неба, зеленовато багряного леса. Невероятно, что в таком чудесном месте живут простые люди. Что они каждое утро наблюдают такую красоту. Попасть бы туда хотя бы на минутку…

Вся картина наполнена свежестью, чистотой, умиротворением. Глядя на картину, как бут-то бы открыв окно, ощущаешь душистый воздух летнего утра. Так и хочется пройтись по тому мосту, собрать белые цветы и отнести в святую церковь. От увиденного пейзажа на картине поднимается настроение и прибавляется больше бодрости и сил. Тихий и чудесный уголок рая на земле.

План:

1. Виктор Ефимович Попков – многогранное творчество живописца.

2. Сюжет и композиция картины.

3. “Осенние дожди” и А. С. Пушкин.

Дни поздней осени бранят обыкновенно,

Но мне она мила, читатель дорогой,

Красою тихою, блистающей смиренно.

Так нелюбимое дитя в семье родной

К себе меня влечет…

А. С. Пушкин

Российский художник Виктор Ефимович Попков (1932-1974) – яркая личность. Он работал в техниках живописи и графики. Однозначного мнения по поводу работ художника не существует. Попкова называют одним из основоположников “сурового стиля” в искусстве нашей страны. “Суровый стиль” характеризовался лаконичными цветовыми решениями, своеобразным упрощением пространства полотна, некоторой плоскостной ориентацией изображения. Но Попков стремился адаптировать “суровый стиль” под свою бурную, неуемную и эмоциональную натуру. Для художника характерны картины-метафоры, глубокий смысл в которых кроется за обычными, казалось бы, образами. Точность наблюдений, отображения натуры в работах живописца сочетаются с нравственными и историческими деталями.

Картина “Осенние дожди”, о которой хотелось бы рассказать в данной работе, условно может быть отнесена к исторической ветви творчества Попкова. Она отличается спокойствием, в контрасте с эмоциональной насыщенностью и драматизмом большинства работ художника, даже элегичностью.

Картина “Осенние дожди” создана в 1974 г. Эта работа окончена не была, тем не менее по ней прекрасно виден замысел художника. Картина проникнута любовью творца к русской истории, культуре и особенно к народному русскому поэту, классику, Александру Сергеевичу Пушкину. Словно бы родственную душу художник почувствовал в поэте. Впрочем, многие исследователи творчества художника находят общее между двумя этими фигурами – великим русским поэтом и ярким, талантливым художником, работавшим и стремившимся к новым горизонтам в сложные для нашей страны времена. Неудивительным считается то, что на похоронах Попкова рядом с гробом стояла именно картина “Осенние дожди”. Это произведение не окончено – художник не успел этого… Он умер, глупо и случайно. И в этом исследователи отмечают общность с Пушкиным… Художника и поэта объединяет прежде всего их пронзительная любовь к родной стране, бескрайним просторам природы. Виктор Попков, как и Пушкин, любил осень. Осенью ему, как и поэту, работалось более вдохновенно.

Игорь Обросов, художник, так писал о собрате по кисти: “Виктора Попкова увлекала глубина жизненных явлений, постоянные поиски, изыскания непреходящих духовных ценностей. Он не всходил на вершины искусства медленно, тяжело, он, скорее, низвергался вниз. Такое стремительное движение в глубину не было обвалом, уничтожающим все на своем пути. Он увлекал за собой то, что живо, неравнодушно, дерзновенно и направлено к постижению тайн природы и души человеческой”.

В 1973 г. художник побывал в Михайловском, месте, тесно связанном с жизнью и творчеством Пушкина. Попков был очарован прекрасной природой, восхитительной осенью.

Композиция картины достаточно проста. Центральным персонажем картины можно назвать… осень. Именно изображение осени – золотой, дождливой – занимает большую часть полотна. Осень на картине сквозит светлой печалью.

Картина решена в желто-коричневых тонах. Тускло-желтые деревья, мрачное дождливое небо с всплесками блеклых желтоватых листьев… Влажное дерево крыльца… Все это придает работе особенное, печально-осеннее очарование.

Изумительна по своей выразительности фигура А. С. Пушкина, поэта. Изящный черный силуэт очень четко выделяется на желтоватом осеннем фоне. Ясный характерный профиль поэта на фоне осеннего неба необычайно выразителен. Во всей фигуре Пушкина, облаченного в черный фрак, сквозит вдохновение. С удивительным талантом Попков сумел изобразить пронизывающую зябкость осенней природы. Стоит только отметить, как поэт обхватил своими руками плечи, и словно веет ледяной моросью, осенней горьковатой свежестью. Глядя на картину, невольно вспоминаешь строки из одного из самых трогательных стихотворений Пушкина:

Унылая nopal очей очарованье!

Приятна мне твоя прощальная краса –

Люблю я пышное природы увяданье,

В багрец и в золото одетые леса…

Как известно, великий русский поэт предпочитал творить осенью, и увядание природы всегда было его любимым временем года.

На заднем плане картины можно увидеть серые, закрытые тяжелыми тучами осенние небеса, в которых сквозит печаль. Вода, подернутая рябью, придает лиричность изображению. И хотелось бы задержать внимание на одной детали заднего плана картины. Это – одинокая белая лошадь. Она почти невидима, теряется между краем картины и столбом террасы. Склонившаяся к влажной траве, маленькая белоснежная фигурка словно бы пронизана одиночеством и тесной взаимосвязью с осенней печальной природой.

Картина решена преимущественно в желтых, синевато-зеленых и серых тонах. Композиция ее элегична и пронизана захватывающей лиричностью. Осень и связанные с нею эмоции – вдохновенность, смутная печаль, одиночество – отражены с величайшей точностью.

Хотелось бы рассказать немного о периоде создания картины “Осенние дожди”. Попков творил в Михайловском. Он заказал фрак и одевал в него художника Ю. С. Павлова, с которого писал Пушкина. Попков стремился добиться выразительности истинного шедевра, и ему это удалось. И сам Попков порой облачался во фрак, стремясь проникнуться исторической атмосферой, словно сблизиться с эпохой жизни великого русского поэта. Попков сумел ощутить родство с Пушкиным, именно благодаря этому чувству картина производит неизгладимое впечатление на зрителя. Природа на полотне поэтична и дышит лирической печалью, что так характерно для стихов Пушкина.

Конечно, картину “Осенние дожди” нельзя назвать строго историческим произведением. Скорее это попытка художника проникнуть в эмоциональный мир поэта, передать – осеннее вдохновение, красоту природы и взаимосвязь времени года с творчеством.

Картина “Осенние дожди” – это прощальное произведение художника. В этой работе ощущается мироощущение самого Попкова. Исследователи считают, что работа эта близка к автопортретному жанру.

Влюбленный в море, очарованный страстью стихии и дикой мощью неконтролируемых природных явлений, Айвазовский продолжает писать серию картин на тему вечной красоты природы.

Я смотрю на изображение ночного кораблекрушения, на фоне порванного ветром туч, гибнущих людей в пучине шторма при освещении желтого фонаря луны, и меня завораживает происходящее. Понимание того, что человек в своей беспомощности подобен песчинке, рождает чувство обреченности. Луна акцентирует на себе мое внимание. Во мраке пугающей катастрофы, мягким светом рампы, она освещает события, разыгравшиеся на морской сцене противостояния людей и стихии.

Оторвавшись от очарования луной, вижу сюжет второго плана. Взгляд тонет в зловещей темноте ночи, где море сливается с разорванным небом и бесконечным горизонтом. И там, в очертаниях сумеречности, виднеется силуэт гибнущего корабля с истерзанными бурей парусами и спутавшимися снастями.

Две огромные волны на переднем плане – завораживают мое внимание. Они наполняют картину величием и мощью, и красиво отражаются в мерцающем блеске лунной дорожки. Меня поразила “немногословность” красок, экспансивная насыщенность сюжета. Произведение трогает манерой выражения художественной идеи и пафосом содержания. Противостояние людей и природы, обреченная беспомощность и величественность силы, желание жить и разворачивающий процесс смерти на фоне бушующей “страсти”, заставляют эмоционально напрягаться, и одновременно вызывает чувство восторженности.

Глядя на картину, понимаю, что она написана на одном дыхании. Масштабность сюжета, художественное воплощение идеи, манера и “смазанный” стиль написания, оказались намного выразительнее традиционных подходов к изобразительной законченности картины.

Одним из известных советских живописцев есть Гелий Михайлович Коржев. Попавши в оккупацию, в военное время, обрел для себя так называемый суровый стиль. Он включает в себя мрачную палитру цветов, резкие контрасты света и тени, глубокую эмоциональность героев. К таки работам относится и его произведение “Облака 1945 года”.

На картине изображены две фигуры. Старая женщина и уже не молодой, но моложе женщины мужчина. По всей видимости, это ее сын. Женщина сидит на лавочке. Одета она в темную длинную юбку, белую блузку и черную кофту. Голова покрыта темным платком. На лице виднеется какая-то грусть и ожидание чего-то. Мужчина сидит рядом на сырой земле и также смотрит вдаль. Одет в простой рабочий костюм. На голове кашкет. Одна нога обута в сапог, а другой у него нет. Вместо ноги мы видим деревянный протез. Возможно, он потерял ее на фронте и теперь сидит дома и как все ожидает хороших новостей.

Немного дальше, в поле, стоит девочка. Ее взгляд сосредоточен туда же куда и в остальных. Солнце светит ей прямо в лицо и от этого она закрылась рукой. Позади женщины и мужчины виднеется покров дома и деревья. Небо затянуто большими, но светлыми тучами. Хотя день очень солнечный и светлый, цветовая гамма тусклая и мрачная. Трава темно-зеленого цвета с проблесками голой земли. Усталые лица людей и все их силуэты навевают какую-то тревогу и переживание. Автор очень точно изобразил их уставшие от времени и тревог лица. Они еще не такие старые, но пережитое и предстоящее очень сильно на них влияет.

Все-таки, гладя на картину Г. Коржева “Облака 1945 года” мы еще раз убеждаемся, что он мастер сюжетной и тематической линий в картинах. Своей картиной он рассказал истории многих людей переживших страшные годы. Людей, которые даже и не могли представить, что в их судьбы так просто можно ворваться и искалечить. Война прошла, а память о ней останется навечно.

Картина “Север” одна из тех, немногих картин, что привлекает своим образом. Свой шедевр Куинджи создал в 1879 году, вместе с еще несколькими картинами. Творчество Куинджи, как и творчество многих других художников, можно разделить на серии. Эту серию мы назовем, серия северных пейзажей.

Глядя на эту картину, мы невольно становимся зрителями. Смотрим мы на природу севера с небольшой возвышенности. На переднем плане наш взгляд привлекают стоящие на скале сосны, а за ними мы видим необъятные леса, то появляющиеся, то исчезающие в тумане. С нашей высоты, речушка, которая протекает сквозь леса, кажется нам узенькой, извиваясь как уж, уводит наш взгляд в даль. Северную природу художник попытался раскрыть с максимальным великолепием.

Больше половины картины занимает изображение неба. Мне показалось, что художник пытался показать нам две борющиеся между собой стихии, земля и воздух. Использование полутонов в цвете, автор пытается играть со светом и у него, на мой взгляд, это отлично получилось.

По мнению экспертов, в предыдущих своих пейзажах Куинджи рисовал небо широкими мазками, на этой картине он пробует легкие мазки, создавая тем самым эффект мерцания. Мы все привыкли, что север, это обязательно зима и холода, но ведь там тоже бывает лето и осень и весна, пусть длится они короче, чем в других регионах, и дни не такие жаркие, но все таки.

Зеленый лес на картине свидетельствует о том, что это лето. Речка, которая петляет, будто манит за собой, прогуляться по ее берегу, развести костер или порыбачить. Я считаю что человек. Должен любить любое время года, ведь в каждом есть свои плюсы и минусы. Летом, так же как и в других временах года бывает дождь, не останавливаясь, идет неделю, а бывает осень без капли дождя, или весна, когда снег тает за три дня. Каждое время года способно подарить нам свой шедевр.

В некоторых источниках сообщается, что Верещагина пригласили в Туркестан, в тот момент, когда шли военные действия, для создания военной хроники в живописи. Что бы народ смог своими глазами увидеть и прочувствовать всю серьезность происходящего события. Верещагину удалось не только стать свидетелем происходящих событий, но и принять участие в военных баталиях. Художника даже наградили Георгиевским крестом, за проявленные подвиги и храбрость при защите крепости.

В своей серии картин посвященных событиям происходящих в Туркестане, особое место выделяет картину “У крепостной стены. Пусть войдут”, которую он написал в 1871 году. Главными героями этой картины изображены армия русских солдат. Мы видим, что крепостная стена немного разрушена. Русские солдаты ждут появления врага. Кажется, что еще немного и на возвышенности крепости покажутся смелые враги. Насколько мне известно, Русские солдаты находились в страхе и постоянном напряжении, потому что их численность, заметна была ниже, чем численность воинов противника. В глазах каждого из солдат можно прочесть страх смерти, и неминуемого поражения. Но все стоят до последнего, никто не струсил и не отступил. Они твердо настроены, держаться до последнего, пусть доже ценой собственной жизни.

Верещагин изображает яркими красками солнечный день, у него получается очень реалистично передать бескрайность полей, выстроенную на половину разрушенную стену крепости и голубизну неба. Глядя на картину, можешь почувствовать, какой свежий воздух был в тот день, или ощутить себя героем, занять позицию рядом с одним из воинов и быть ему в бою опорой и помощью. В каждой своей картине, которую автор посвятил войне, он воспевает хвалебные песни, героизму и без отверженности русской армии, и жестокость правителей, которые отдавали команды о наступлении.