Category: Сочинения по картинам

Эта картина является одной из наиболее знакомых работ И. Левитана. Я читал, что вдохновение на ее создание пришло после посещения монастыря под Звенигородом и на Волге. Поэтому он показал именно тот образ этих монастырей, который его поразил больше всего – в лучах заката. Наверняка, вдалеке был слышен колокольный звон.

Любой пейзаж удивительно красив на восходе и на закате солнца. Стоит ли говорить, как прекрасны купола под светом уходящего солнца. Широкая река изображена будто неподвижной. На небе удивительных розово-голубых тонов плывут серебристые облака, а на дальнем берегу видна густая роща. Покой и безмятежность здешних мест даже не способна нарушить плывущая лодка с паломниками. Она лишь медленно скользит по водной глади. На дальнем берегу показаны два монаха, которые прогуливаются неспешной походкой, наслаждаясь удивительной красотой.

Природа показана удивительно спокойной, будто она готовится к ночи, ко сну. Чувствуется полное безветрие. Вдалеке изображен сам белокаменный монастырь. Он выглядит очень торжественно и величественно. Его окружает зеленая роща. Даже его отражение в реке неподвижно, будто природа и монастырь слились в единое целое, став неотъемлемой частью друг друга.

Я считаю, что храм – основная часть этой картины. День закончился, и в воздухе буквально слышен перезвон колоколов, который зовет всех верующих на вечернюю службу. Эта прекрасная картина является одним из наиболее ярких произведений автора. Буквально чувствуется настроение, с которым Левитан ее создавал, насколько он был поражен красотой родной русской природы. Все, что он хотел показать с помощью его мастерства передается зрителю и позволяет наблюдать за этой картиной, как зачарованному. Несмотря на то, что показан вечер, краски не везде использовались светлые, во многих местах показана тень, но впечатления от картины самые яркие и светлые.

Еще одним известным русским художником есть Баулин Сергей Алексеевич. Многие считаю его мастером именно архитектурного пейзажа. На многих своих картинах автор очень талантливо изображает архитектурные стили разных времен. К его удивительным работам относится церковь Покрова, расположена на реке Нерль. Этот храм занимает не последнее место среди святынь России. Небольшая и скромная церквушка построена и названа в честь праздника Святой Покровы. Многих художников она не оставила равнодушными, и теперь красуется на полотнах этих авторов.

Именно на полотне Сергея Баулина церковь Покрова показана вблизи, крупным планом. Нашему взору видны мельчайшие детали и подробности. Присмотревшись, можно даже рассмотреть красивую резьбу, которой украшено здание. Само здание имеет очень интересную форму, большой квадрат, с середины которого в небо стремится один купол. Даже не верится, что в такие древние времена, возможно, было создать такую красоту. Место для постройки храма тоже не может не удивлять. Веря истории, говорят, что его указал сам князь Боголюбский. Невысокий холмик посреди реки Нерль, а потом бескрайние просторы зеленых лугов переходящих вдали в небо. Холм был насыпан специально, так как весной река разливается широким половодьем.

На полотне “Храм Покрова на Нерли” Сергей Баулин изобразил хмурый день. Вся его темнота показана в одном небе. Он темно-синего, даже серого цвета. Тучи тяжелые и густые закрыли солнце. На этом темном фоне, церковь кажется еще светлее и ярче, как лучик света в темноте. Так она символизирует святыню добра и света. Автор хочет нам показать, что какая бы ни была погода или настроение храм всегда примет и покажет все хорошее и прекрасное в любой ситуации. Главное, верить в себя и никогда не отступать с праведного пути.

План:

1. Краткая информация о художнике.

2. Композиция натюрморта.

3. Цветовая гамма.

Красота есть гармония;

В ней залог успокоения…

Ф. М. Достоевский

Федор Петрович Толстой, русский художник и скульптор эпохи романтизма, родился в 1783 г. в семье кригскомиссара графа П. А. Толстого. Будущий художник, как было принято в то время, с рождения был записан в Преображенский полк в чине сержанта. После окончания Морского корпуса в 1802 г. молодой мичман Федор Толстой поступил в Академию художеств. Нужно отметить, что для той эпохи было редким явлением, чтобы молодой аристократ предпочел профессиональные занятия искусством карьере военного. Наставниками Ф. Толстого были скульптор И. П. Прокофьев, а также известный портретист эпохи романтизма О. А. Кипренский.

Ф. Толстой одно время возглавлял Коренной совет “Союза благоденствия”, однако прекратил участие в деятельности декабристов задолго до восстания 1824 г., поэтому не подвергся гонениям со стороны правительства. В 1826 г. Ф. Толстой предложил вниманию императора Николая I два серьезных трактата: “О нравственном состоянии войск российских” и “О состоянии Российской империи в отношении внутреннего ее устройства”. В этих трудах содержался ряд предложений по совершенствованию законодательства и налогообложения, а также ряд социальных мероприятий.

В качестве скульптора Ф. Толстой работал с различными материалами. Известны его рельефы из воска, посвященные героям и событиям “Одиссеи” Гомера, серии памятных медальонов в честь побед в войне 1812 г., русско-персидской и русско-турецкой войнах. Толстой создал рельефы дверей Храма Христа Спасителя в Москве.

В целом о творчестве Ф. Толстого можно сказать, что он следовал традициям классицизма, подражая античным образцам. Это относится и к скульптурным, и к графическим, и к живописным работам художника. Из графических работ Ф. Толстого можно отметить серию рисунков пером к поэме И. Ф. Богдановича “Душенька”, которые также были воспроизведены в гравюрах.

Натюрморты Ф. Толстого – это попытка запечатлеть недолговечную, но чарующую иллюзию совершенства и безмятежности. Наиболее известные работы в этом жанре – “Букет цветов”, “Бабочка и птичка”, “Цветы, фрукты, птица”. Среди живописных работ Ф. Толстого есть семейный автопортрет, жанровые сценки.

Ф. Толстой пробовал свои силы и в других отраслях искусства: так, он сочинил два балета (“Эолова флейта” и “Эхо”), которые, однако, не были поставлены на сцене; самостоятельно разрабатывал составы красок и т. д.

Долгие годы Ф. Толстой преподавал в Академии художеств, со временем став ее вице-президентом, а затем товарищем президента. В последние годы жизни художник потерял зрение. Скончался Федор Толстой в 1873 г. в Петербурге.

А. теперь обратимся к анализу одного из произведений художника – натюрморту “Цветы, фрукты, птица”. В основу композиции положен воображаемый треугольник, в вершине которого находятся головки цветов; в нижних углах соответственно находятся кисть винограда и яблоки. В центр композиции художник поместил стеклянный сосуд с цветами. В нижней части сосуд имеет шарообразную форму. Горло сосуда, резко сужаясь, принимает колоннообразную форму. Сквозь прозрачные стенки видны стебли цветов, погруженные в воду. Букет образован тремя ветвями: двумя ветвями с несколькими белыми и розоватыми цветами, у которых длинные тонкие заостренные листья, и стеблем с одиночным блекло-красноватым цветком, очень напоминающим анютины глазки. У одиночного цветка крупные листья; можно предположить, что они круглой или чуть вытянутой формы. Ветвь с цветами, находящаяся справа, стоит чуть под углом к поверхности, на которой располагается натюрморт. На этой ветви цветы имеют едва заметный розоватый оттенок.

В левом нижнем углу на переднем плане мы видим половинку разрезанного яблока: художник тонкими линиями наметил жилки и семечки. Кожица половинки яблока и крайнего слева яблока зеленого цвета. Позади, почти скрытое за ними и сосудом, виднеется еще одно яблоко, с желтокрасной кожицей. Слева, в стороне от фруктов, мы видим небольшое летящее насекомое – возможно, муху или мелкую бабочку.

Справа от стеклянного сосуда помещаются яблоко с желто-красной кожицей и крупная кисть винограда. Нужно отметить, что в созданной художником композиции просматривается определенная ступенчатость: сосуд – в центре, желто-красные яблоки – чуть позади него, зеленые – ближе к зрителю, а кисть винограда – чуть дальше яблока. Виноградная кисть изображена очень живописно: используя различные оттенки зеленого при изображении отдельных ягод, художник верно передал игру светотени. Особое очарование придают тщательно прорисованные вьющиеся усики виноградной лозы и два крупных виноградных листа. На виноградной веточке сидит небольшая птица, на темном тельце которой четко выделяется треугольный белый “воротничок”. Птица сидит, опустив клюв к яблоку, из-за чего ее хвостик поднят вверх. Крылья птицы слегка отстранены от тела, словно ей жарко. Над виноградным листом художник изобразил бабочку: ее верхние крылышки светло-серые с более темными кончиками, нижние крылышки белого цвета. На поверхности стола, на переднем плане, вместе лежат две веточки с мелкими круглыми ягодами красноватого и белого цветов. Возможно, это смородина.

Нужно отметить, что художник не стремился четко разграничить поверхность, на которой находится натюрморт, и общий фон картины. Контуры стола на переднем плане едва намечены: на заднем плане мы можем различить край стола лишь по цветовому переходу, однако он выглядит довольно размытым.

На картине Ф. Толстого хорошо видно, что свет падает справа. Предметы в левом углу и даже фон слева выглядят темнее, резче намечен контур столешницы. Нужно сказать и о фоне: если поверхность, на которой помещен натюрморт, серовато-бежевого цвета, то общий фон теплого золотисто-палевого оттенка.

Относительно общей цветовой гаммы можно сказать, что на картине Ф. Толстого “Цветы, фрукты, птица” преобладают золотисто-желтые, красноватые и темно-зеленые тона. Немаловажную роль играет и белый цвет: белые цветы и разрез яблока резко выделяются на общем фоне картины. Общий настрои натюрморта – умиротворяюще – созерцательный, мягкий и спокойный.

План:

1. Краткая биографическая справка.

2. Композиция картины.

3. Цветовая гамма.

4. Картина Н. Г. Ромадина “Село Хмелевка” и время, в которое она была написана.

Приветствую тебя, пустынный уголок,

Приют спокойствия, трудов и вдохновенья,

Где льется дней моих невидимый поток

На лоне счастья и забвенья.

А. С. Пушкин

В 1903 г. в Самаре в семье железнодорожного служащего родился Николай Михайлович Ромадин. Учился живописи в Художественном техникуме в г. Самара, затем поступил в Высшие художественно-технические мастерские в Москве (ВХУТЕМАС), где его наставниками были Р. Р. Фальк, И. И. Машков и П. П. Кончаловский. Большое влияние на творчество молодого художника оказали особенности живописной манеры выдающихся представителей Союза русских художников, которые стремились простое изображение пейзажа подать как символический образ России. В творчестве Ромадина сильны и тенденции импрессионизма: художник не только изображает то, что видит, но также передает собственные впечатления и настроения, связанные с объектом изображения.

Наиболее известны из его работ пейзажи, созданные в период Великой Отечественной войны.

Это “Село Хмелевка”, “Последний луч” и др. Эти полотна вошли в цикл “Волга – русская река”. Все они хранятся в собраниях Третьяковской галереи. За них художник в 1946 г. был удостоен Сталинской премии.

В более поздних работах художника – “Берендеев лес”, “Затопленный лес” – просматриваются сказочные мотивы. Изредка в картинах Ромадина появлялся сюжет – “Детство Есенина”, “Сон Андерсена”, хотя в целом для творчества художника это не было свойственно. Художник охотно изображал интерьеры, экспериментируя с освещением, в качестве примера можно назвать картину “Красный интерьер”, хранящуюся в собрании Третьяковской галереи. В 1971 г. Н. М. Ромадину было присвоено звание народного художника СССР. Несколькими годами раньше, в 1967 г., художник был избран действительным членом Академии художеств СССР. Кроме Государственной Сталинской премии, был награжден Ленинской премией (в 1980 г.). Художник дружил с известным писателем К. Г. Паустовским, который в 1963 г. написал о его творчестве очерк “Родная природа в творчестве Ромадина”. Художник умер в 1987 г. в Москве.

Что же характеризует одну из наиболее известных картин Ромадина “Село Хмелевка”? На картине мы видим село, раскинувшееся на холмистой местности. Вдали угадывается Волга, окутанная легким туманом. Взгляд художника на изображаемую территорию направлен слева. Зрительно местность можно условно разделить на три участка: пологая возвышенность, изображенная в нижнем левом углу картины, подобная же возвышенность справа, которая из-за большей удаленности от автора и зрителя занимает на картине гораздо меньше места, и низина, изображение которой по диагонали пересекает полотно, начинаясь в нижнем правом углу.

Когда смотришь на картину, кажется, что дома хаотично разбросаны по местности. Присмотревшись, можно заметить, что ближе к берегу реки домов больше. Легко предположить, что первые жители строили жилье неподалеку от реки – это характерно для большинства старых поселений, так как жителям приходилось носить воду из близлежащего водоема. Нужно отметить, что и на склонах холмов тоже есть дома. Особенно много их на дальнем склоне – там они выстроились аккуратными, ровными рядами. На переднем плане домов немного. В основном мы видим здесь прямоугольные участки, огороженные низкими изгородями. Вероятно, это крестьянские огороды, но сейчас на них нет никакой растительности. Это неудивительно: по желтой листве немногочисленных березок и рыжевато-бурому наряду виднеющихся вдоль берега реки зарослей легко догадаться, что художник запечатлел село осенью, когда весь урожай уже снят. Даже трава на склонах блекло-бурая – видимо, выгоревшая на солнце в знойные летние дни.

Дома в селе почти одинаковые – одноэтажные, с двускатной крышей. Стены домов светлые, крыши – светло – или темно-серые. Лишь одно здание отличается от остальных: длинное строение под коричневатой крышей. Вероятно, это школа или сельсовет. Можно сказать, что село достаточно большое: хотя из-за удаленности невозможно точно подсчитать количество домов, но ясно, что их несколько десятков. День немного пасмурный; начинает вечереть. Это можно заметить по цвету неба: оно неопределенно-светлое, но не солнечное, а у горизонта просматривается сиреневатая полоска. Общее настроение картины – спокойное, созерцательное. Художник выбрал для изображения типичный пейзаж среднерусской полосы, но вложил в картину столько любви именно к таким незатейливым уголкам России, что восприятие автора полотна невольно передается зрителям.

Что касается цветовых решений, то палитра художника не отличается большим разнообразием. Картина выдержана в теплых, приглушенных тонах: едва намеченный желтоватый оттенок неба, нежно-желтая листва берез, рыжевато-коричне – вый фон холмов и низины, на котором деревенские домики не очень-то и бросаются в глаза, как бы тонут в окружающем осеннем пейзаже.

Картина Н. М. Ромадина “Село Хмелевка” написана в 1944 г. Еще идет Великая Отечественная война, победа и восстановление привычного течения жизни только впереди, а художник самозабвенно рисует мирный уголок России, словно бы страна и не охвачена военной лихорадкой. Тихая заводь, где все дышит покоем и тишиной… А ведь несомненно, что многие из жителей этих домиков, с вершины холма кажущихся такими крохотными, словно игрушечными, ушли на фронт: кто-то не вернется домой, погибнув в боях за Родину. Да и так ли благополучна была жизнь советской деревни до войны?.. Продразверстка, коллективизация, раскулачивание… Но художник – не историк, который стремится показать факты, какими бы неприглядными они ни были, или же, напротив, старающийся приспособить историческую науку к нуждам и требованиям идеологии и эпохи. Художник может вопреки всему изобразить реальность так, что ее уже невозможно отделить от мечты. Мечты о покое и счастье, мире и благополучии людей… Еще вовсю бушует война, а на картине Ромадина одно из бесчисленных сел России тихо дремлет в дымке золотой осени…

Кроме работ на былинную тематику, у Васнецова есть ряд работ, посвященных религиозной теме. В его творчестве легенды, исторические темы занимают большую часть. Одной из его работ является фреска Владимирского собора, которая находится в Киеве.

В основе картины – осмысление введения христианства на Руси. В ее центре – Владимир Святославович. Именно при нем произошло это историческое и масштабное событие, которое повлияло на всю дальнейшую историю Руси. Четко обозначена торжественность момента и серьезность всего происходящего. Его одеяние расшито золотом, руки подняты к небесам. Весь его облик говорит о важности принятого решения, о решимости, с которой он действует, ведь он, в данный момент, вершит историю.

Вокруг князя находятся представители религии, высшего духовенства, простые прихожане церкви. Все они одеты в белые одежды, как символ чистоты. На заднем плане картины мы видим хор и верную рать. На фоне всех высокопоставленных лиц и духовенства видны фигуры обычных людей, которые очень контрастно выделяются из общей массы. Они ждут своей очереди в обряде крещения. Согласно преданию, люди погружаются в воды Днепра. Мы видим, что здесь присутствуют представители разных поколений: от детей до стариков. Сверху изображено светлое облако, а из него на всех собравшихся льется Божий свет. Он олицетворяет благословение собравшимся. Художник даже предусмотрел нарисовать людей, жителей небес. Они изображены более размыто. Эти люди смотрят вниз на торжественную атмосферу и радуются тому, что это событие на Руси все-таки произошло. Крещение Руси является одним из важнейших события в русской истории. Оно наложило отпечаток на всю дальнейшую историю и с духовной стороны, и со стороны принятия государственных решений.

Эта картина сейчас находится в Москве, в Третьяковской галерее.

Это картина о счастье. Думаю, что чувствовать, что тебя любят, так же приятно, как и самому испытывать эту же нежность. Вот почему Нечитайло изображает самых счастливых людей во Вселенной. Кто может быть более довольным, чем мама, которая держит на руках самое дорогое для нее существо? Невольно начинаешь задумываться о том, что это за чувство и для чего оно нужно.

Когда рождается желанный ребенок, это делает жизнь двух людей, его родителей, более полной и осмысленной. Чувство заразительно. Ведь ребенок понимает, что его любят. Это и нежные игры с ним, и разговоры, и ласки. Все это наполняет жизнь маленького карапуза, делая его счастливым. Свет любви в картине художника символически отображает именно это чувство – счастье. Оно прямо из окна струится сквозь родительницу, которая крепко, но с нежностью держит у себя на коленях малыша. Мама улыбается ребенку, он – нам. Из обстановки только видны некоторые признаки присутствия крепыша в доме. Это – бутылочка для кормления и игрушечный самолетик. Словно все вокруг этой сцены и сконцентрировано. Узорчатые шторы служат фоном. А второстепенный персонаж, изображенный на картине, занимает все ее пространство, даже то, где нарисованы мама с ребенком, есть свет. В его облаке, словно в пелене обернуто все, словно это и воздух и вода, в которую окунаются с головой.

Теплые тона нежно передают отношения матери к этому маленькому человечку. Она даже взглядом пытается его приласкать. Ее милый взгляд, и заботливые руки, дают ему уверенность в том, что ничего с ним плохого не станется. Где-то в самых закоулках его мудрой детской души, он понимает свое счастье, для этого ему не нужен переводчик. Знает ли он, сколько пестрых и ясных моментов подарил своим появлением на свет его родным? Мне кажется, что это он интуитивно чувствует, и его детский с хитрецой взгляд об этом говорит.

План:

1. Личность художника.

2. Композиция картины.

3. Внешний вид персонажей.

4. Мое личное восприятие картины.

Золотое правило гласит, что нет золотых правил.

Б. Шоу

Российский живописец Юрий Иванович Пименов (1903-1977) считается классиком советского изобразительного искусства. На самом деле вклад этого талантливейшего художника в развитие советского искусства неоспорим. Ю. Пименов в своем творчестве обращал пристальное внимание на мелкие, подчас даже незаметные, будничные детали. И благодаря таким подробностям складывалась четкая, яркая и запоминающаяся картина. Юрий Иванович Пименов был очень образованным человеком. Его отец был юристом по профессии и художником по призванию. В детстве Юрий Пименов много времени посвятил созерцанию картин великих мастеров в Третьяковской галерее. Повзрослев, он много учился. У Пименова была выработана собственная манера письма. Художник работал мелкими мазками. И получалась удивительно правдоподобная живописная поверхность, казалось, что она живет в каком-то другом измерении.

Картина “Спор”, созданная Ю. Пименовым: в 1968 г., является жанровой композицией.

На картине изображены девушка и юноша. Судя по названию, они о чем-то спорят. Не так уж много лет разделяет нас и тех, кто был изображен художником на полотне. Картина довольно современная. Но мы, безусловно, можем сказать, что персонажи картины Пименова – это представители другого поколения.

Художник рисует портреты молодежи 60-х гг. О чем они мечтают? О чем спорят? Что занимает их умы? Мы этого не знаем. Мы полагаем, что на картине запечатлен один лишь эпизод из жизни юноши и девушки того времени. Можно ли назвать их типичными представителями своего поколения? Безусловно. Интересен фон, на котором изображены персонажи картины. Вернее, если быть точным, фона как такового будто бы и нет. Мы видим пол, который представляет собой чередование светлых и темных квадратов. Видим голубоватую стену и незамысловатую мебель – столик и стулья, на которых сидят юноша и девушка. Можно предположить, что спор приключился в кафе или в школьной, а может быть, в университетской столовой. Возможно, совсем рядом, за стеной находится арбатский дворик, о котором в стихах говорил Б. Окуджава:

…А годы проходят, как песни.

Иначе на мир я гляжу.

Во дворике этом мне тесно,

И я из него ухожу.

Ни почестей и ни богатства

Для дальних дорог не прошу,

Но маленький дворик арбатский

С собой уношу, уношу.

Впрочем, глядя на картину, мы можем думать о чем угодно. Наше воображение позволяет расширить границу восприятия увиденного так, как нам захочется. Можно пофантазировать, представляя о чем спорят персонажи картины…

Их спор может касаться простых, обыденных вещей или же глобальных вопросов. В юности людей могут интересовать самые непостижимые, даже таинственные вещи. По мере взросления философские вопросы, уступают место обыденным, повседневным. Как тут не вспомнить высказывание Андре Моруа: “Кто в 16 лет не революционер, тому в 30 лет не хватит отваги, чтобы быть начальником пожарной команды”.

Спорить могут лишь люди увлеченные, всерьез интересующиеся чем-то. И примечательно, что на картине мы видим девушку, вовлеченную в спор. В середине XX в. юные красавицы уже не были пассивными наблюдательницами, они принимали живейшее участие в общественной жизни.

Обратим внимание на внешний вид персонажей картины. Юноша субтилен на вид, его не назовешь силачом. По-видимому, физическое развитие он не ставит на первое место, у него, очевидно, иные интересы. Возможно, юноша всерьез увлечен наукой или искусством. И спор с девушкой разгорелся как раз по поводу искусствоведческой статьи или какой-либо физической, а может быть, и математической задачи. Юноша одет скромно: на нем обычный костюм, в каком, вероятнее всего, ходили большинство сверстников в те времена. Капризная мода оставила юношу равнодушным к быстрой смене различных веяний и тенденций.

Девушка выглядит более яркой, если говорить о ее внешности. Во-первых, у нее красивые рыжие волосы. Как тут не вспомнить высказывание французского писателя-афориста Себастьяна Шамфора (1741-1794) о женщинах с подобным цветом волос: “Рыжая женщина – женщина вдвойне”. В 60-х гг. в моде был минимализм. И короткое платье выгодно подчеркивает стройную и хрупкую фигурку девушки на картине. Девушку, изображенную на картине Пименова, вполне можно назвать символом женственности середины XX в. Она идет в ногу со временем, уделяет должное, но не чрезмерное внимание моде.

“Ты вправе мыслить иначе, чем твоя эпоха, но не вправе одеваться иначе”, – говорила Мария фон Эбнер-Эшенбах.

Девушка, спорящая с юношей, вероятно, уверена в своей правоте. Она, скорее всего, обладает разносторонними интересами, иначе вряд ли вступила бы в спор с молодым человеком. Если бы девушка беседовала с подругой, можно было бы заподозрить их в том, что они просто-напросто сплетничают. Ведь, как когда-то заметила Агата Кристи: “Женщины редко ошибаются в своих суждениях друг о друге”. Но сплетни никогда не интересовали мужчин, так что девушку на картине Пименова вряд ли можно упрекнуть в этом неблаговидном занятии. Ее может интересовать что угодно, но ее интересы так или иначе, затрагивают интересы юноши. Ведь спор возможен только в случае, если у оппонентов есть общие темы для разговора.

Художник запечатлел на картине всего лишь один миг из жизни самых обычных, ничем не примечательных людей середины XX в. В споре рождается истина, мы помним об этом. Не зная о чем идет речь, мы не можем судить спорщиков, изображенных на картине. Все, о чем они спорят и что пытаются доказать друг другу, может быть правильным, а может оказаться и ошибочным. Неслучайно я в качестве эпиграфа к своему сочинению выбрал высказывание Бернарда Шоу об иллюзорности каких-либо правил. Меняются времена, меняются люди. Но, невзирая на это, у них будут разгораться жаркие споры, касающиеся самых разных вещей. И всякий раз, глядя на картину Пименова “Спор”, мы будем думать о том, что юности свойственно чем-то интересоваться, спорить, отстаивать свою позицию горячо и самозабвенно, даже если эта позиция может быть ошибочной. Мне очень понравилась картина Пименова “Спор”. Она мне показалась интересной, актуальной и современной.

Одним из великих творческих людей Италии есть Рафаэль Санти. Он и талантливый живописец, график, архитектор. Его работы украшают многие церкви. Любимой музой художника всегда была Мадонна. Он посвятил ей много картин, как в начале творческого пути, так и в зрелости. Одной из самых совершенных картин принадлежащих этому циклу есть полотно “Сикстинская Мадонна”. Ее заказали монахи для церкви Св. Сикста.

Это полотно есть алтарным образом, который открывает взору человека раздвинувшийся занавес и идущую фигуру Девы Марии с младенцем на руках. Этот младенец – это Иисус Христос. Он доверчиво приник к ней, а она заботливо и по-матерински нежно и трепетно держит его. Идет она по белому, мягкому и даже, кажется, теплому облаку. Ее ноги босые. Тело покрывает красивое, атласное, красного цвета платье, покрыто синей тканью. На голове легкая шаль. Младенец совсем без одежды.

По левую сторону от мадонны сидит, опустив голову и взор Святая Варвара. Весь ее вид показывает покорность, веру и благоговение. С правой стороны мы видим упавшего на колени Сикста II. Он обращается к Марии с просьбой защитить всех, кто ее поклоняется и молится. А позади Девы, еле заметны в сером цвете и свете, который исходит от Мадонны, лица множества ангелов. Еще два ангелочка, напоминающие амурчиков, показаны на самом первом плане картины. Их движения и жесты еще совсем детские и наивные. Это придает полотну теплоту, заботу и человечность.

Это полотно и сам автор стали вдохновением для многих последователей, как в художестве, так и поэзии. Репродукции картины принадлежали многим поэтам и ценителям искусства.

Какая семья обошлась без потери близкого родственника? Кто не знает, как тяжело хоронить родного человека, зная, что больше его не увидишь, не дотронешься, не поговоришь с ним? Особенное горе матери, оно ни с чем не сравнится, нет утешения женщине ни в чем. Куда бы она ни посмотрела, что бы ни увидела, все ей напоминает о ее малыше. Некуда ей деваться от страшной тоски за своим ребенком. Мучают мысли как о днях, проведенных с ним, так и о его возможном будущем, которого ни он, ни она уже не увидят. Это все надрывает сердце. На картине Крамского именно этот момент и изображен. Что придает картине еще больший трагизм? Как она действует на зрителя?

Как пугающе выглядит эта еще не старая женщина. Даже глядя на нее сердце не выдерживает того напряжения, которое просто рвет ее на части. Сразу оживают те дни, когда и сам переживал нечто подобное. И все же, с горем матери ничто не сравнится. Автор картины лаконично описал все те моменты, которые показывают глубину этого чувства. И сам портрет безутешной женщины явное доказательство этого. Она как затухшая свеча, не только не лучится, озаряя все вокруг, но и изнутри погасла. Нет ни одного лучика, который раскрывал бы ее. Она вся как замуровалась в этом потоке горечи. Глаза замерли страхом и безразличием. “Как жить теперь”, – казалось бы думает она. И нет ответа этим тягостным мыслям. Цвет кожи и волос показывают в каких адских страданиях прошли ее последние дни. Стройная, красивая, не знавшая большой беды до сего момента, какой контраст той жизни, которая ее теперь ждет. Даже когда на смену придут спокойные дни, она никогда не забудет своей потери.

Находясь в середине картины, женщина является сама олицетворением горя. Все, что окружает ее, только усугубляет это впечатление. Я заметил, как Крамской точно выписал все, что придает этому печальному моменту истины. Маленький гробик ярко контрастирует с живыми цветами, которые стоят рядом. Роскошная обстановка, великолепные картины на стенах, красивое платье героини, изысканной работы платок в ее руках такие маленькие и незначительные моменты по сравнению с чувствами матери, потерявшей ребенка. Все кажется пустым, если сердце вырвано из груди.

Крамской написал картину “Майская ночь” в 1871 году, по мотивам произведения Н. В. Гоголя. При создании этой картины, художнику необходимо было окунуться к мотивом украинских сказок, к их волшебным лунным ночам, заросшим прудам, а так же русалкам и ведьмам.

На картине изображен берег реки. Ночь, темное время суток именно по этому люди выделяются своим контрастом на фоне темной ночи. Вдалеке на пригорке стоит чья-то усадьба, за которой раскинулся лес. На заросшем берегу, на коряге сидят несколько девиц-утопленниц. Их силуэты грациозны, но с грустью на лице, они очень красивы, но уже не живые.

Автор рисует картину неяркими красками, пытаясь как можно реалистичнее передать настроение лунного света. Крамской не просто рисует картину для повести Гоголя, он создает свое произведение, со своими главными героями, со своим таинственным волшебством, украинской песней смятением и волнением от кипящей вокруг жизни.

“Майская ночь” по мнению экспертов, одна из первых картин, которая проявила интерес к народной поэзии. Мне даже показалось что герои картины – это герои сна, который приснился художнику накануне. Я считаю это произведение фантастическим, а Крамского талантливым художником. Не смотря на мрачность произведения, мне не страшно на минутку представить себя одной из героинь этой картины. Свет луны очень романтично и гармонично вписывается в ночную атмосферу. Лунный свет в этой картине преобразил окружающее, создавая поэтические напевы.

Необязательно я думаю рассматривать произведение Крамского с произведением Гоголя. Они могут существовать и отдельно друг от друга. Ведь глядя на картину, мы можем придумать свою сюжет повести о майской ночи, и окунуться в мир фантазий.