Category: Сочинения по картинам

Эта картина, одна из самых знаменитых среди шедевров художника Верещагина. Картина была написана в 1871 году, занимает главенствующее место туркестанского цикла картин этого художника. Сперва художник задумал нарисовать Тамерлана, именно его воины собирали гору из черепов убитых воинов, но отошел от исторического повествования, придав полотну неповторимый сюжет.

На полотне мы видим пирамиду из черепов. Только обратившись к истории, мы можем предположить, что эту пирамиду собрали верные воины Тамерлана. Мы видим мертвую степь, на ней нет живого. Около, и на самой горе стая воронов, они прилетели сюда в поисках остатков человеческой плоти. Все говорит нам о смерти. Трава выжжена, деревья обуглены, разрушенный на заднем плане город следы от побоища на черепах – все это говорит нам о уничтожении.

Контраст художник сделал, сопоставив желтую, высушенную солнцем степь и ярко-голубое небо. Ничего живого, кроме падальщиков – воронов. Глядя на эту картину невольно начинаешь сострадать людям, чьи черепа выстроены в пирамиду. На мой взгляд, художник показывает нам беспощадность войны, призывая к миру. Он обращается не к Тамерлану, он обращается к нам. К человечеству.

Верещагин показывает нам, что на войне нет победителей и проигравших, потому что гибнут люди с обеих сторон. Ведь для того что бы достигнуть победы, воинам приходится сражаться, и в каждом сражении они убив 5 врагов, теряют и 2, а может и 3 солдат, по этому в войне нет проигравших. Какая-то из сторон может уступить и признать свое поражение, но это бывает в редких случаях. Мы забываем о человечности и доброте людской с наступлением войны, в глазах воинов нет пощады, и поэтому врагов мы не считаем за людей, а ведь они такие же люди, со своими семьями и нравами. Я желаю всем проникнуться человечностью, посмотреть эту картину и окунуться в мир фантазий.

Эту картину Верещагин нарисовал в период с 1899 по 1900 года. Само название, говорит нам о содержании этого произведения. Бородинская битва окончена. Художник без страха и сомнения стремится с максимальной реалистичностью воссоздать картину сражения. Для этого ему даже пришлось изучить военные карты, гравюры, рисунки, и прочую литературу. В итоге художник создает гармоничную картину.

На полотне изображены воины французской армии, которые прославляют своего императора. На первый взгляд картина может показаться месивом из оружия, обмундирования, боевых припасов вперемешку с человеческими телами. Если приглядеться, то видно, что некоторые из этой “каши” живы, они раненные и ждут, когда им окажут помощь. Их лица искорежены болью мукой, но вряд ли кто-то услышит их мольбы о помощи. Итогом гражданской войны 1812 года стала гибель 80 тысяч человек. И Верещагин, на мой взгляд, дает свое видение этой проблемы, как бы намекая нам, что война большое зло, что гибель такого количества человек лишь игры амбициозного Наполеона. Картина написана в ярких тонах, что бы передать весь масштаб трагизма, художник использует темные и красные цвета.

Глядя на картину, я на минуту почувствовал запах пороха. Услышал свист пуль и выстрелы. Страшнее всего мне стало, когда я представил, что где-то люди просят о помощи, а я не знаю чем можно помочь смертельно раненому солдату. Обидно за то, что эти люди пострадали ни за что, а ведь их дома ждут, матеря, жены и дети. На войне все равны, и молодые парни лет 20 и взрослые мужчины и старики. Война не щадит никого

Картина этого художника заставляет задуматься о ценности своей жизни. Неважно на сколько богато живут ваши родные, главное, что бы они все были живы и здоровы. И главное что бы друзья были верными и в трудной ситуации не бросили, а помогали.

Тропинин нарисовал свой автопортрет на фоне Московского Кремля. Судя по картине, художник был полным человеком с круглым лицом. У него добродушное интеллигентное лицо и кажется что мягкий характер. У Тропинина седеющие волосы и густые черные брови. Он в очках с круглой оправой, которая подчеркивает округлость его лица. Темные глаза смотрят уверенно и задумчиво. Возможно художник серьезный человек, но его фигура и лицо наталкивают на мысль, что он веселый, открытый, искренний и добрый.

На нем обычная, ничем не примечательная одежда. Сверху на художнике как будто одет обыкновенный халат. Тропинин изобразил себя простым, обычным человеком, которого оторвали от работы. Похоже, что удобный халат его привычная рабочая одежда. В левой руке он держит кисти и палитру. Это рабочие инструменты, при помощи которых создаются шедевры живописи. Изобразив кисти, автор хотел подчеркнуть как важно для него искусство, это вся его жизнь. В правой руке он держит трость, которая наверно помогает ему передвигаться, а может это просто предмет, дополняющий его внешность. На картине Тропинин представлен как обычный, ничем не примечательный художник, без какой-либо вычурности и мании величия.

Он стоит либо у окна, либо на балконе. Прямо за ним стоит красивое кресло, из которого он видимо, привстал, чтобы в таком положении его изобразили. Возможно, если бы картина была больше, то перед художником стоял бы мольберт. Создается ощущение, что он рисовал, когда его отвлекли, и с кистями и палитрой в руке он поднялся из кресла, чтобы позировать. Судя по небу, на картине изображен вечер, когда солнце уже садится. Тропинин изобразил себя на фоне Московского Кремля. Наверно, таким образом, он хотел подчеркнуть всю значимость для него Москвы и Кремля.

Северные края – это безграничные просторы, дикая природа и чистые реки. Это нетронутые людьми места. Такие места не могут не вызвать восторга, бурю эмоций и впечатлений. Васнецов нарисовал картину “Северный край” именно под впечатлением от здешних необычных красот.

Я думаю, что такие пейзажи характерны для природы Сибири. Здесь изображена река, которая протекает между непроходимыми лесами. Картина нарисована с такого ракурса, что позволяет рассмотреть все достопримечательности. С самой вершины холма открывается удивительный вид на просторы. Художник постарался создать образ реки холодным, ледяным, как и положено северным местам. Для этого он использовал холодные оттенки красок, такие как синие, светло-синие и серые. Извиваясь, река уходит к горизонту. От картины будто веет холодом, который исходит от горных рек. В воздухе видна небольшая дымка. Лес изображен в бледно-зеленых тонах. Ему, судя по всему, очень много лет, он буквально непроходимый. В такой заброшенной местности практически невозможно встретить никого, кроме редких птиц и животных, которые привыкли к суровым условиям.

В небе изображены мрачные, тяжелые облака. Сквозь них едва пробивается солнце, которое очень редко освещает эту местность, поэтому она кажется безжизненной, суровой и хмурой. То, что солнце изображено на закате еще больше указывает на сумрачное состояние природы. На картине нарисован северный край очень независимым и свободолюбивым. Русская природа показана спокойной и таинственной, что очень точно передано художником с помощью его гениальных приемов. Он показывает красоту этого мига, потому что после захода солнца пейзаж погрузится в темноту ночи. К теме пейзажей прибегали неоднократно многие художники, но одним из лучших считается Васнецов. Ему удается раскрыть природу с необычной, удивительной стороны. Даже такие моменты, на которые обычный человек может быть и не обратил внимание, он показывает с точностью, свойственной лишь ему.

Доктор искусствоведения Сергей Васильевич Герасимов еще и известный народный художник и живописец. Всю свою любовь к природе, а именно к пейзажам родным мест он показывал в своих картинах. “Церковь Покрова на Нерли” относится именно к таким произведениям. Построена сама церковь во времена Андрея Боголюбского. В легенде говорится, что князь очень грустил после смерти любимого сына, который погиб, сражаясь в бою, и в память о нем возвел церковь. Она построена на берегу реки Нерли и просто восхищает всех своей красотой. Не остался равнодушным к такой красоте и Сергей Герасимов.

На своем полотне “Церковь Покрова на Нерли” автор выделил церкви самое почетное место в центре полотна, среди красивой природы. Вся картина просто сияет яркостью цветов. Они все настолько насыщенные, что, кажется, бут-то всю картину обсыпали блестками. Траву автор нарисовал ярко-зеленой с переливами желтых цветов. Вода в реке синяя-синяя, просто притягивает своей чистотой. Небо ярко-голубое и покрыто белыми пушистыми тучами. Они совершенно не омрачают яркий день, а наоборот, придают некую таинственность и загадочность. Сама церковь чистого, светлого, белого цвета, только крыша и купола отливают золотом. Еще автор изобразил молодую маму с ребенком на берегу. Девочка игралась и собирала цветы, а мама просто находилась рядом. Эта деталь наполняет всю картину добротой и теплом. Символизирует сочетание чуда и реальности в святом месте.

Покой и умиротворение исходит от полотна Сергея Герасимова про церковь Покрову на реке Нерль. Величественная церковь гордо стоит на холме и охраняет душеный покой прихожан. Чувство спокойствия и защиты ощущают все, кто смотрит на эту чудесную церковь Покровы на полотне Сергея Герасимова.

Человеку свойственно стремиться к духовному, искать в нем поддержку. Вот и Перов, изобразив Христа, в тот момент, когда тот был и слаб, и силен одновременно, хотел не просто познакомить с частью жизни Господа, но и попытаться внести свой вклад в духовное наследие. Что за сюжет показан на полотне? Как я оцениваю работу творца?

Интересно то, что эта ночь перед публичной казнью Иисуса Христа. Кажется, что в саду такая тишина, что слова Господа, его молитва и плач разливается волной. Но она не может кого-либо разбудить, так как город, виднеющийся на заднем плане картины, далеко, а ученики, которые пришли со своим Учителем крепко спят. Настолько крепко, что художник решает их образы вообще не изображать, словно их и нет рядом. Действительно, они не могут быть поддержкой Христу в данный момент. Это только его ноша, которую нужно донести до конца. И вот, конец близок. И стало непомерно тяжело. И не так физический страх заставляет Иисуса чувствовать себя слабым, как эмоциональный надрыв. Что живописец и попытался изобразить.

Свидетелем страданий Христа есть только нежный белый цветок, который Перов представляет как символ чистоты и трепетности момента. Больше всего мне понравилось то, как художник решает подойти к изображению на полотне подробностей во внешнем виде Господа. Словно осознавая свою незначительность перед такой личностью, он не решается взять на себя смелость показать его лицо. А значит, для тех, кто захочет увидеть в картине средство для поклонения, она не представляет определенной ценности. Вот так скромно подошел к своему излитию души великий живописец.

Картина лично для меня открыла новую грань духовности, когда не для поиска славы своему имени, а для того, чтобы подарить всем людям хоть немного веры и знаний, создается шедевр.

Зима с ее холодными долгими днями всегда кажется бескрайней. И вот, тихо, боясь привлечь излишнее внимание, приближается весна. Первыми признаками ее прихода есть оттепели. Это еще не показатель теплых дней, скорее всего на улице чувствуется прохладная влажность воздуха. Да и картина, которая открывается, тоже не ласкает взгляд пригревающим солнышком. Но все же, это начало отступления того леденящего холода, что пугал всю зиму. Оттепель – признак скорого тепла.

Саврасов на своем полотне не изобразил ничего необычного или такого, что невозможно увидеть нигде. Но именно в этой простой картине, знакомой каждому из нас, и заключается особого рода тепло и уют. Небольшая группа деревьев с птицами, которые, только прилетев, начинают гнездиться. Лужицы растаявшего снега, свидетельствующие о начале весны. Несколько скромных домиков с соломенными крышами создают умилительную атмосферу, дышащую свежестью. И небольшая церквушка со шпилем, устремляющимся вверх. Да речушка, делающая два склона берегами.

Главным персонажем картины, как мне видится, есть небо. Оно лежит на домах и деревьях своими пушистыми лиловыми тучами. Небо само кажется тяжелым, под его грузом и пейзаж становится более солидным, подчеркнуто выразительным. Все, каждая деталь выглядит значимой и обращает на себя внимание.

Привлек меня в работе художника подход к цветовому решению. И хоть выбраны холодные цвета пастельных тонов, но картина не теряет теплоты и душевности. Все дышит, имеет эмоциональный фон, играет красками. Нет солнца, но и без него присутствует красноречивая экспрессивность. И благодаря этому создается ощущения пронзительной легкости. Я поверила каждой детали, каждому мазку великого художника. Правдоподобность изображения показывает мастерство автора.

Крамский в своем портрете “Мина Моисеев” изобразил крестьянина. Пожилой дедушка смотрит на нас с холста. Седая борода говорит о том, что он не молод и прожил большую жизнь. В его глазах нет ухмылки, я вижу в его глазах усталость. Морщины покрывают все его лицо.

Не смотря на то, что старик выглядит не привлекательно, мне кажется он предлагает рассказать какую-нибудь интересную историю из жизни. Глядя на картину хочется сесть поудобнее и слушать рассказы крестьянина до полуночи. Складывается впечатление что не хватает на портрете и жены старца, как будто она стоит за его спиной и держит поднос с молоком и краюхой хлеба.

Этот старик, напомнил мне моего дедушку, который любил сидеть в такой позе и рассказывать сказки, а прибаутки. С ним не было страшно остаться на ночь в сеновале, для того что бы посмотреть на звезды.

Крестьянин, изображенный на картине, я думаю, не боится смерти, в его глазах можно прочесть усталость от прожитой жизни. Он не боится работы. Ему по силу вспахать огород или же убрать за скотом. Он мудр и может дать дельный совет, научить уму-разуму. Еще мне почему-то кажется, что он справедлив. Люди, которые не боятся работы, требуют от себя полного выполнения ее. Они очень ответственные, ведь от качества его работы зависит, будет ли у него ужин.

Портрет выполнен в спокойных тонах, и даже черный фон ни капли не омрачает его. Потрепанная и изношенная рубаха, выцвела, и из ярко синей превратилась в тускло-голубую, лишний раз доказывает, что человек этот не богатый, но постоянный в своих решениях и поступках. Глядя на портрет можно фантазировать бесконечно, представляя семью и внуков крестьянина. Какими могли бы быть интересными их вечера в кругу большой семьи. Эта картина заставила меня окунуться в детство и прочувствовать все прелести деревенского быта. Туда, от куда не хочется возвращаться.

Картины, на которых изображен натюрморт – необычайно красивые. Эта тема часто встречается в работах И. Левитана. На данной картине изображены васильки, сирень, фиалка и одуванчик. Я думаю, что с помощью своей работы, автор хотел показать, насколько наша жизнь быстра, мимолетна. Ведь он изобразил несколько стадий этого цветка: в бутоне, с желтыми цветочками, в образе белого “шара”.

В своих работах Левитан неоднократно подходил к теме жизни человека, ее краткосрочности. Данная картина – лишнее тому подтверждение. Так написать картину мог человек, который не только видит, но и слышит, понимает природу. В коричневом кувшине из глины изображен скромный букет из полевых цветов. Больше всех в этом букете самых простых цветов – одуванчиков.

Несмотря на их простоту, художник постарался показать их удивительную красоту. Эти неприхотливые цветы моментально напоминают зрителю о лете, солнце, лугах и полях, буквально усыпанных сначала ярко-желтыми, а потом белыми цветами. Они являются символом русской природы со многими ее живописными и прекрасными уголками. Каждый одуванчик похож на маленькое солнышко, оттого, глядя на него, на душе становится тепло, светло, радостно и беззаботно. Левитан удивительно точно смог показать их хрупкость и изобразил их именно такими, какими мы их знаем и любим.

Художник нарисовал среди одуванчиков лишь некоторые желтые, но в основном – белые, самые хрупкие и уязвимые. Я думаю, что художник не случайно выбрал коричневый, невзрачный цвет для изображения скатерти, на которой стоит букет. Это сделано для того чтобы показать красоту и нежность полевых цветов.

Картина “Одуванчики” – очень тонкая работа художника. Надо иметь большую любовь к природе родного края, одухотворенность, чтобы так точно и тонко отразить все чувства на холсте. Картина получилась очень нежной, проникновенной, настоящим гимном весны и лета.

Я люблю картины, на которых изображена природа, но с особой любовью и трепетом я отношусь к произведениям, на которых нарисована радуга. Так редко в реальной жизни удается ее увидеть, а порой в суете повседневной жизни ее мы просто не замечаем. Эта картина написана на позднем этапе творчества Куинджи. Рисовал он ее около пяти лет.

Глядя на картину мы видим, необъятный простор русской степи, извилистая дорога, петляет, прячется за горизонтом, уводя нас в свои неведомые дали. Тучи рассеиваются и мы видим, что начало проглядываться солнышко, где-то в дали еще идет дождь. Между тучами во всей своей красе, перед нами предстает радуга, со всем своим многообразием цветов.

Глядя на эту картину, кажется, что ты очутился на этой дороге. Дождь закончился несколько минут назад, и у нас есть совсем немного времени, что бы насладиться этим красивым видом. Пусть прошел дождь, но вот появилось солнышко, и прохлада пропадает, солнечные лучи начинают пригревать нас. Трава засияла при солнечном свете капельками от дождя. Мы видим, как радуга отражается в этих капельках и нам становится весело, хочется бежать и потрогать ее своими руками, прикоснуться к прекрасному.

Пейзаж написан яркими красками, небо переливается разными оттенками, от темно-синего, до светло-голубого. Трава тоже нарисована в некоторых местах темной, в некоторых яркой, например, там, где только приглянулось солнышко. Мы разучились видеть прекрасное в простых явлениях природы. Перестали радоваться таким мелочам, стали хмурыми и злыми. Нам не хватает человеческого тепла и доброты, а еще человечности по отношению к друг другу. Зависть и озлобленность поселилась в нас. Теперь если у твоих родителей не большой достаток, и они не могут позволить купить тебе дорогую игрушку, ты невольно становишься изгоем среди сверстников.