Category: Сочинения по картинам

Знаменитый советский художник Пименов Юрий Иванович, создал целую серию работ, посвященных московской тематики. Больше всего из этой серии меня поразила картина “Новая Москва”. В ней автор показал площадь Свердлова, что практически есть центром города.

Вдали на картине просматриваются большие дома и постройки. В них можно узнать силуэты знаменитого Дома Союзов и гостиницы “Москва”. Передний план привлекает изображением кабины кабриолета. За рулем сидит женщина. Мы видим ее только со спины. На ней светлое платье и короткая стрижка. Дальше по широкой дороге едет еще много автомобилей и автобусов. По обе стороны дороги суетится народ. Кто-то идет вдоль трассы, а кому-то нужно перейти на другую сторону.

Первое впечатление, которое у меня возникло, только я глянула на картину, так это то, что идет дождь. Все такое размытое, нечеткое, много вертикальных линий и зеркальное сияние асфальта. И только когда я присмотрелась и удела открытый кабриолет и совершенно сухую женщину, то поняла, что ошиблась. Просто автор так изобразил свой шедевр в не ком воодушевленном смысле. Он использовал почти прозрачные оттенки цветов, перемешивая холодные и теплые тона. Это придает картине гармоничного сочетания. А неясные образы и слегка размытые силуэты придают чувство безвременности и легкости.

Все мы очень любим читать и слушать сказки народов России, потому что в них всегда добро побеждает зло. Эта тема отражена в картинах многих живописцев. Одним из них является В. М. Васнецов. У него есть много картин на историческую тему, на тему сказок и былин.

На этой картине художник изобразил картину их боя. Иван-царевич находится на переднем плане, как и положено главному действующему лицу и былинному герою. Он замахивается на злого и коварного Змея своим мечом. Только что Иван-царевич отрубил Змею одну из голов, на что тот очень разозлился. Он не оставляет надежду убить Ивана, но тот успел вовремя защититься щитом. Судя по виду Ивана-царевича, битва продолжается уже давно, но отступать некуда и он не имеет права на ошибку, ведь за его спиной находится принцесса, которая очень напугана всем происходящим.

Художник нарисовал картину так, что солнце освещает только Ивана-Царевича. Я думаю, что он это сделал для того, чтобы показать всем чистоту и светлость его намерений и действий. Ведь Иван-Царевич мечтает освободить свою родину от непрошенных гостей, от врагов. Он защищает детей, женщин и стариков, которым угрожает Змей. За змеем, наоборот, изображен мрачный пейзаж, темные горы, красный закат, похожий на кровь. Ивана-Царевича защищает надежная кольчуга, удобный меч, тяжелый щит. Богатые украшения на щите Ивана показывают, что он будущий царь. Во время боя ему пришлось встать на одно колено, второй ногой он держит Змея и упирается ему в живот. В нужный момент Иван-Царевич отрубит Змею оставшиеся головы и добра, как и положено, победит, царевна будет спасена, а кровожадный Змей больше не сможет мучить людей.

В своей картине Васнецов изобразил битву в ее переломный момент и показал силу обоих противников, победу добра и справедливости над злом.

Что бы я сказала о себе, если бы у меня появилась такая возможность? А если бы я догадывалась, что это могут прочитать и мои потомки, и те, кому я нравлюсь, и даже те, кому я могу не понравиться? Правду, или то, что я хотела бы видеть правдой? Автопортрет очень похож на автобиографию. И там, и там зритель смотрит и оценивает. Для кого-то я бы постаралась быть лучше, чем есть на самом деле, а значит, истина бы пострадала. Зато мое самолюбие и тщеславие получили бы утешение.

Передо мною картина Брюллова, где он изображен уже в приличном возрасте, когда человек имеет личные цели, часть их уже сбылись, есть и стремления, и страсти, ведь художник не сможет без эмоций писать. Что он говорит здесь о себе? Каким я его смогла увидеть?

Основное внимание каждого, кто смотрит на автопортрет художника, приковывается к лицу и руке немолодого уже Карла Павловича Брюллова. Его глаза, переданные с невероятной четкостью, говорят и о страданиях, которые видел творец, и о чем-то неуловимо воздушном, что-то вроде танца мыслей, которые витают вокруг. Даже не верится, что в глазах того, кто подарил миру столько красоты, будет такая невообразимая печаль. Глаза переполнены тишиной, спокойствием и умом. Они, минуя года, проникают внутрь каждой смотрящей на них души. Они задают вопросы, на которые все могут ответить, если заглянут в себя.

Рука! Для художника это как инструмент, которым он умело пользуется. Ведь иногда каждый может увидеть что-то прекрасное, что хочется задержать в памяти. Но удастся ли передать все краски и формы на полотне? Наверное, поэтому люди и придумали фотоаппараты, что не всем удается даже пересказать увиденное. А. Брюллов мог нарисовать, подметив детали, четко передавая качества подсмотренного образа. Именно руки великого художника были настолько крепкими и сильными, не смотря на внешнюю тщедушность, что слушались своего хозяина. Они могли одним движением сделать мир краше. Как поэты словом, так и художники своими картинами обогащают души и сердца!

Хочу начать с информации об авторе картины. Карл Павлович Брюллов жил в начале XIX века. Этому величайшему российскому художнику были подвластны глубокие знания в живописи, он мастерски овладел рисунком и акварелью. Все творчество Карла Петровича можно разделить на два направления: огромные исторические полотна и не очень большие картины, сочетающие великолепное исполнение и непосредственность. Но самое главное, самое ценное в творчестве русского художника – это его грандиозные портреты, одним из которых и является картина “Всадница”.

На картине я вижу девушку, которая одета в современный (по тем меркам), богатый и роскошный костюм наездницы. Из деталей одежды я заметил и парчовую блузку, и кружевной воротник, и юбку, которая очень длинная и свисает с лошади. Это мне говорит о изящном вкусе героини картины. Нельзя не обратить внимание на роскошные, аккуратные локоны волос, нежные черта лица. Легкая вуаль тянется вдоль за ветром, как бы делая картину более плавной.

Я хочу сказать пару слов о лошади. Я вижу, как ее передние ноги оторваны от земли, как бы становясь на дыбы или готовясь к мощному старту. Я прямо слышу лай собаки справа. Нельзя упустить из виду и маленькую девочку с другой собакой, стоящие на парапете с аркой, и которые провожают или же наоборот встречают наездницу. Но статичность и массивность арки вместе с парапетом не передается всей картине, так как я не могу не увидеть клочья земли, вылетающие из под копыт лошади. Вся картина, как я понимаю, отражает бурлящий внутренний мир всадницы, но скованная дворянскими условностями он не показывает этого на своем лице.

Очень удивляют цвета, подобранные к картине. Красный цвет сочетается с коричневым, почти черный цвет – с голубовато-лунным, а серый цвет – желтовато-голубым. Я считаю, что автор очень грамотно подобрал эти цвета, их сочетания, что напрямую повлияло на мое восприятие этой картины.

Этот художник был признан одним из знаменитых башкирских творцов, он не единственный, кто старался передать своим поклонникам через свои картины, любовь не только к своей родине, но еще и любовь к своему народу. Многие критики уверяют, что лучшая его картина, передающая все эти чувства, это “Три женщины”, которую Лутфуллин написал в 1969 году.

На этой картине художник нарисовал трех женщина, которые одеты в национальные костюмы, будто художник застал их за церемонией чаепития. Обстановка в комнате, где находятся эти женщины не богатая, а и судя по еде можно сказать что изображены женщины крестьянки. Об этом свидетельствует чай, хлеб и молоко. Нам кажется, что это небольшой перекус. И вот они сейчас подниматься и продолжат дальше заниматься своими домашними делами. Мое внимание привлекли не костюмы этих женщин и даже не бедная обстановка с едой. Мне показалось притягательными сами изображенные. На мой взгляд они символизируют поколение.

На переднем плане художник изобразил самую старшую из женщин, очень мудрую и справедливую. Она на мой взгляд уже бабушка. Справа от нее, стоит скорее всего ее дочь, она тоже многое уже повидала, но многое ей еще и предстоит увидеть. А слева стоит сама молодая, именно она является внучкой самой старшей женщины. она изображена на мой взгляд невинной, еще не видавшей трудностей в жизни. Не зря рядом с ней художник нарисовал цветок. Он как бы сравнивает эту девушку с не распустившемся цветком, порой глупой в каких-то моментах и даже не опытной в большинстве жизненных ситуаций. За окном художник нарисовал пейзаж, молодые ребята катаются на велосипедах и кажется, что жизнь не остановилась, она продолжает идти дальше, и поколения будут сменять друг друга. Кода-нибудь и эта молодая девушка сперва станет мамой, а потом и мудрой бабушкой, со своим жизненным опытом.

Летние месяцы – это ведь не только пора для отдыха, но и самое активное время в жизни сельских жителей. Столько всего нужно успеть, ничего не забыть: и сено заготовить, и урожай собрать, и корм для домашнего подворья запасти. Работа от зари до зари. Об этом нам и рассказал в своей картине Пластов “Сенокос”.

Художник показал, что во время сенокоса работают все, от мала до велика. Важны каждые рабочие руки, чтобы быстрее управиться с работой, ведь от этого зависит предстоящая зима. Скорее всего, показано тяжелое время после Великой отечественной войны, потому что работают дети, женщины, старики. Или остальные мужчины заняты другим физическим трудом.

В любом случае, на картине показано, как это хорошо, когда молодежь помогает старшему поколению. Они под палящим солнцем косят траву, занимаются другим нелегким трудом. Несмотря на тяжесть работы, художник показал картину удивительно яркой и светлой. Ведь летом в природе можно встретить такое разнообразие красок! Небо ярко-голубого цвета, трава сочно-зеленого, золотое солнце озаряет своим светом все вокруг. Картина получилась очень красочная.

Не смог обойти стороной художник и белые березки, которые являются символом нашей родины, на которые можно бесконечно любоваться. Солнце переливается в их кроне, придавая листочкам разные оттенки. Березовая роща – единственное место на картине, где работники могут отдохнуть, укрыться под деревьями от знойного дня. Лишь эта посадка из берез напоминает о небольшой прохладе. Листья на деревьях автор показал сине-зелеными красками. Художник настолько реалистично нарисовал картину, что мы чувствуем шум ветра, стрекотание стрекоз, жужжание других насекомых, а удивительно чистый воздух наполнен запахом скошенной травы и цветами.

Василий Владимирович Пукирев известный русский живописец-жанрист, можно сказать, стал знаменитым благодаря неудавшейся любви. Девушку, которую автор считал своей невестой, выдали замуж за богатого старика, а художник удосужился чести быть шафером на этом торжестве. В связи с этими событиями рождается знаменитое полотно “Неравный брак” принесшее художнику известность и славу.

Первым отличием картины от современников были ее размеры. Все действующие лица изображены в натуральную величину. До этого такие размеры имели только картины древности и мифологии, но таким жестом автор показал величество проблемы будничности. Также немалую роль в картине сыграл свет, которые в полутьме ярко освещает силуэт несчастной невесты. Ее красиво сияющее в свете венчальное платье, украшающие шею и руки драгоценности и пышный венок с вуалью, покрывающий золотистые локоны, не придают празднику радости. Невеста стоит грустная, одна рука бессильно легла на платье, и только слегка придерживает свечу, а вторая еле поднимается для того, чтобы священник надел кольцо. Рядом с ней стоит ее будущий муж. Он стоит самодовольный и гордый. Смотрит на девушку свысока, как бы показывая, что он делает ее одолжение. Все гости смотрят на молодых и каждый что-то думает про себя. За спинами венчающихся людей стоит сам художник со своим другом. Его угнетает данное положение. Он как почетный гость, так и человек, не разделяющий тогдашних социологических нравов.

Впоследствии нескольких неравных браков, вышел закон, не разрешающий брак с большой разницей в возрасте. Мы не знаем дальнейшую судьбу бедной девушки, но тот факт, что именно благодаря случившемуся художник обрел знаменитость, неоспорим. Это еще раз доказывает, что творческим людям всегда нужно вдохновение. И пусть это будет или что-то плохое, или хорошее, но результат всегда захватывает и поражает.

Я очень люблю картины, на которых изображен натюрморт или пейзаж. Они такие яркие, красочные, насыщенные. Каждая прорисованная деталь в них, игра света и тени помогают максимально раскрыть задуманный образ. Когда я увидел картину “Клубника и белый кувшин”, я была просто поражена, как можно так точно передать всю цветовую палитру, весь летний колорит.

Для своей работы художник выбрал нейтральный фон, чтобы ничего не отвлекало нас от нарисованных ягод. На этой картине Машков нарисовал не только клубнику, но и черную, белую смородину и малину. Она показана как в виде кустарника, который стоит в банке с водой, так и отдельно в глубокой тарелке с каемкой. Картина показывает, какие богатства нам приносят летние месяцы. Клубника изображена как с веточками, так и без них, лежащей отдельно на столе, и в серебряной посуде. Ягоды клубники огромны и, наверняка, очень вкусны.

С правой стороны картины стоит белый пузатый кувшин. Он изображен пустым. Думаю, что автор нарисовал его для контраста, чтобы яркие, красивые ягоды смотрелись еще более аппетитно. От картины буквально веет ароматами этих плодов. Так и хочется взять и попробовать одну из этих ягод, окунуться в летнюю свежесть. Тем более, что она была совсем недавно и мы не успели еще ее забыть.

Художник с большой любовью прорисовывает каждую деталь, каждый изгиб на клубнике. Слева лежат две самые крупные, спелые ягоды. На их фоне, лежащая рядом малина немного теряется. Хочу отметить, что нет ни одной ягодки, которая была бы нарисована небрежно. На мой взгляд, картина получилась по-домашнему простой, но, в то же время, гениальной. Именно глядя на такие произведения, мы начинаем задумываться о простых радостях жизни, которые в повседневной суете успеваем забыть. Художник предоставил еще одну возможность полюбоваться летними дарами природы, которые наполнены солнечным теплом.

Невозможно не отметить, что Перов хорошо владел техникой написания портретов. Каждая деталь картины – это целая тема для обсуждения, каждый персонаж – открытая книга, которую можно прочитать до конца, поняв все стороны характера. Вот и данная картина мне понравилась тем, что психологически тонко замечены все детали.

Собрались люди, всем интересно посмотреть на нового человека, который будет жить в этом доме. Эта девушка нанимается гувернанткой в купеческий дом для самой младшей из дочерей. Ей страшно перед неизвестным будущим, она в отчаянии, что пришлось решиться на этот шаг. Но никто не думает о состоянии будущей прислуги, которое явно доводит ее до слез. Напротив, ее осматривают, как товар на рынке. Как такое отношение может не пугать ее, и не вселять в ее сердце волнение?

Самым грозным персонажем на картине является хозяин дома. Его властный внешний вид, цепкий, недобрый взгляд, страшат молодую девушку. Одной своей позой, он хочет “задавить” любое свободомыслие в прислуге. Старшие дочери, выглядывающие из-за его плеча, уже переняли привычку отца видеть в людях низшее существо. И теперь с презрением разглядывают новоприбывшую. Даже секретарь купца, роль которого немногим выше того положения, которое отведено гувернантке, и тот со смехом и издевкой посматривает на девушку.

Может быть, молодая особа получит поддержку от челяди? Нет, я не увидел на лицах прислуги и намека на жалость и симпатию. На их лицах насмешки, они глумятся над небольшим багажом, над унижениями неопытной девушки, над скромным ее внешним видом. Но, на картине все же есть человек, который рад приезду гувернантки. Это младшая дочь купца. Она освещена восторгом и любопытством. Художник подарил ей одной светлое платье и ясное лицо. И только этот лучик надежды сможет согреть сердце перепуганной гувернантки.

Мне нравится, что Перов попытался передать даже историю дома. На стенах просторной комнаты нет привычных для того времени икон, вместо этого висит портрет, видно отца или деда купца, к которому он питает уважение. Прочная мебель, простое убранство. Все это показывает современную семью с новаторскими взглядами и понятным укладом жизни. Такое дополнительное знакомство с семейством помогает лучше понять его взгляды.

Картина “Море. Коктебельская бухта” была написана Иваном Константиновичем Айвазовским в 1817 году. На переднем плане я вижу небольшой пляж, на который набегают пенные волны. На пляже лежит рыбацкая лодка, устремленная носом в сторону волнующегося моря.

Видно, что волны сильно ее потрепали. Парус весь сбился в бесформенный куль. Лодка бортом уткнулась в большой камень. Создается впечатление, что бурные мутные волны вот-вот подхватят ее и вновь унесут в морские дальние дали, за линию горизонта, которая отчетливо видна на фоне грозовых туч, расцвеченных заходящим солнцем в огненные краски. Создается очень правдоподобное впечатление, будто за линией горизонта бушует огромный пожар. Тучи на переднем плане выглядят, словно клубы густого дыма. Все это грозное явление нависает над небольшим корабликом, который, по всей видимости, тонет, захлестываемый волнами. Парусов на его мачте нет. Возможно, их сорвало порывами ветра. И создается ощущение, как будто море утягивает кораблик, словно чудовищное создание. Не менее грозными, чем небо и море, выглядят на картине скалы, обрывающиеся прямо в морскую пучину и похожие на некое сказочное существо, вышедшее из дремучего леса и окунувшее свою морду в воду.

Глядя на эту картину, меня охватывает ощущение тревожного предчувствия надвигающейся бури, от которой не будет спасения ни на море, ни на берегу. И только яркий солнечный свет, как луч надежды, пробивается через непогоду. Данная картина отражает любовь художника к природе, к морю, который способен любоваться всеми проявлениями природного могущества.