Category: Сочинения по литературе

Произведения великого русского баснописца Ивана Андреевича Крылова знакомы нам с самого детства. Он писал замечательные короткие рассказы поучительного характера – басни, в которых осуждал и осмеивал человеческие недостатки. Действующими лицами в баснях выступают животные, предметы, в которых проявляются человеческие качества.

Басни Крылова стали широко известны еще при его жизни, но до сих пор пользуются большой популярностью. Потому что темы, затронутые им, и созданные им аллегорические образы и сейчас остаются актуальными. В его баснях воплощаются народные идеалы трудолюбия, благородства, честности, бескорыстия, добра и справедливости.

А. С. Пушкин находил в баснях Крылова отличительные свойства русского народа: “веселое лукавство ума, насмешливость и живописный способ выражаться”.

Нужно обладать настоящим талантом, чтобы так ярко и кратко, в двух строках, как это делал Крылов, уметь показать целый характер. Крылов писал так просто, доходчиво, что каждый человек легко запоминает чудесный язык его басен, узнает русский характер в героях. В своих произведениях Крылов, отстаивая идеалы добра и справедливости, бескорыстия и трудолюбия, едко высмеивает хитрость, лень, глупость, упрямство, трусость.

Например, в баснях “Квартет”, “Лебедь, Щука и Рак” он критикует отсутствие элементарных умений и согласия, без которых нельзя достичь хороших результатов. А “Волк и Ягненок” – злая сатира, в которой автор критикует безнравственность, деспотизм и произвол властей: “У сильного всегда бессильный виноват”.

Особое место в творчестве Крылова занимают басни, написанные во время Отечественной войны 1812 года: “Кот и Повар”, “Волк на псарне”, “Обоз”, “Ворона и Курица”. В них воплотились патриотический дух народа, мысли и чувства самого автора в час грозных испытаний. В героях басни “Волк на псарне” мы узнаем русский народ, поднявшийся на войну с Наполеоном, самого Наполеона в образе Волка и мудрого русского полководца Кутузова в образе Ловчего.

Огромный успех и популярность басен И. А. Крылова можно объяснить тем, что автор представил в своих произведениях всю русскую жизнь и оценил ее с точки зрения простого народа. В своих баснях Крылов откликался на события современной ему жизни, но они не теряют своей актуальности, потому что настоящие, поэтически сильные слова и правдивые образы навечно становятся достоянием народа. В языковых средствах, образах Крылов идет от фольклора, но при этом благодаря точности, меткости, простоте многие строки его басен вошли в разговорную русскую речь, стали пословицами и поговорками, зажили своей собственной жизнью: “А Васька слушает да ест”, “А вы, друзья, как не садитесь, все в музыканты не годитесь”, “А ларчик просто открывался” , “Недаром говорится, что дело мастера боится”.

Басни И. А. Крылова не стареют. Они и для нас, современных читателей, интересны и полезны.

Русская литература 1-й половины XIX века

Двойники Печорина в романе М. Ю. Лермонтова “Герой нашего времени”

Образы персонажей М. Ю. Лермонтова, как и вся художественная структура романа “Герой нашего времени”, направлены в первую очередь на раскрытие образа главного героя. На протяжении всего произведения автор как можно ярче стремится показать внутренний мир Григория Александровича Печорина. Более полную картину, описывающую характер героя, можно получить благодаря тому, что автор вводит в роман второстепенных персонажей, так называемых “двойников” Печорина. И именно с помощью их сопоставления и сравнения открываются в полной мере все – положительные и отрицательные – черты главного героя. Наиболее глубоко внутренний мир Печорина раскрывается в главе “Княжна Мери”. Очень важными для понимания личности главного героя являются образы Вернера и Грушницкого, так как именно они помогают осознать главные черты центрального персонажа. Являясь одновременно и противоположностями, и подобиями Печорина, они отражают его характер. Доктор Вернер и Печорин случайно встречаются в Пятигорске. “Вернер человек замечательный по многим причинам. Он скептик и матерьялист, как все медики, а вместе с этим поэт, и не на шутку, – поэт на деле всегда и часто на словах, хотя в жизни не написал двух стихов”. Оба героя – романтики, хотя друг другу в этом и не признаются. Они “скоро сделались приятелями”. Но, по убеждению Печорина, в дружбе один всегда является рабом другого; сам Печорин рабом быть не привык, а повелевать – “труд утомительный”. Одно из сходств героев состоит в том, что в Печорине присутствуют “два лица” Вернера – цинизм и чувствительность. Доктор Вернер – натура двойственная (насмехался над больными, но при этом истинное горе поражало его в самое сердце; не случайно Печорин упоминает, что видел, как Вернер плакал над умирающим солдатом). Ни Печорин, ни Вернер особо не дорожат собственной жизнью, к которой они достаточно равнодушны. Разница лишь в том, что Печорин более деятелен, нежели доктор. Последний, в свою очередь, лишь наблюдатель и во многом идет на поводу у Печорина. Как пример можно рассмотреть дуэль с Грушницким. Вернер нисколько не противится замыслам приятеля и лишь задает перед дуэлью Печорину вопросы о завещании и о женщинах, которым он, возможно, хотел оставить что-то на память. Но Вернер, в отличие от Печорина, раскаивается в содеянном: возможно, после дуэли ему искренне жаль Грушницкого. И в записке, присланной им, проявляются эмоции доктора: “…вы можете спать спокойно, если можете”. Но все же Вернер лишь созерцатель. Сопоставление двух образов показывает, что между Вернером и Печориным есть много общего, но в то же время эти люди принципиально отличаются друг от друга. Именно Печорин, а не Вернер назван в тексте “героем времени”. Другим героем, которого можно назвать “двойником” Печорина, является Грушницкий, который оказывается своеобразным “кривым зеркалом” для главного героя. Обоим персонажам присущи черты демонизма: у Печорина – истинный, у Грушницкого – наносной. Вот что пишет Ю. М. Лотман по этому поводу: “То, что в Печорине трагично, – в Грушницком смешно”. Грушницкий изображает демона, но того, о котором он узнал из романтических повестей: “У Грушницкого есть все отрицательные качества Печорина (крайний эгоцентризм, нездоровое честолюбие), но нет ни одного положительного (искренность, глубина натуры)”. Поведение обоих героев по отношению к княжне Мери не вызывает одобрения. Печорин начинает мстить Грушницкому за их похожесть. Будучи крайним индивидуалистом, Печорин не может смириться с появлением человека, во многом повторяющего его черты. Отношения героев “упираются” в дуэль. В день дуэли Печорин испытывает холодную злобу. Его пытались обмануть, и простить этого он не может. Грушницкий же, напротив, очень нервничает. Безусловно, он вел себя недостойно в последнее время. Но для Печорина нет никаких способов решить конфликт по-другому. Ему просто-напросто неинтересно что-то выяснять и доказывать. Он убивает Грушницкого и, не оглядываясь, уходит. Ему важно было не только наказать Грушницкого и показать последнему его место, но и дать герою почувствовать свою никчемность. Убив Грушницкого, Печорин убивает что-то в себе, он проходит испытание смертью. Третьим, и последним героем, во многом повторяющим Печорина, выступает Вулич в новелле “Фаталист”. Последний, как и главный герой, ощущает свою исключительность, что дает ему право в полной мере полагаться на случай и быть уверенным: тот его не подведет. Вулич слишком уверен в своем везении, потому-то и погибает из-за бессмысленных игр с судьбой. И Печорин кажется фаталистом
, недаром он тоже решает “испытать судьбу”. Однако если Вулич, как истинный фаталист, действительно полностью вверяется року, безо всяких приготовлений спуская курок пистолета, то Печорин поступает совсем иначе. Он бросается в окно к казаку-убийце, заранее продумав план действий. Используя прием гиперболы в раскрытии характеров героев-“двойников”, Лермонтов доводит до крайности личностные черты каждого из них, для того чтобы образ самого Печорина представал для читателя более объемно.

Комедия А. С. Грибоедова была написана в 1824 году. Автор обличает в ней такие пороки современности, как крепостное право, патриархальность, застойность общества, невежество, чинопочитание, угодничество перед вышестоящими, преклонение перед иностранным. Несмотря на то что пьеса была запрещена цензурой, она быстро разошлась в списках среди современников, что свидетельствует о том, что комедия была очень актуальной и злободневной.

Кроме новаторства в содержании комедии, автор вносит определенные новшества и в построение пьесы. Во время царствования классицизма с его жесткими рамками и правилами драматург во многом нарушает их, используя при этом некоторые нововведения. Во-первых, сохраняя необходимое для классицистических пьес единство времени и места, он отступает от единства действия. В комедии присутствуют два конфликта: любовный и общественный. Во-вторых, автор использует говорящие фамилии, сохраняет типичные амплуа актеров, при этом отсутствует четкое деление на положительных и отрицательных персонажей. Характеры героев выпуклы и многогранны, они не являются носителями какой-то одной определенной черты. Персонажи пьесы предстают перед нами как живые люди со своими достоинствами и недостатками. Комедия высмеивает не один какой-то порок, а целую общественную систему, весь уклад жизни барской Москвы первой четверти XIX века.

Называя свое произведение “сценической поэмой”, Грибоедов оказался прав: мы не можем утверждать что “Горе от ума” – это только комедия. В ней присутствуют и другие родовые начала: признаки романа, основную тему которого – образ “лишнего человека” – разовьют впоследствии многие писатели, а также слышны и отголоски лирического произведения, которые прослеживаются в монологах Чацкого. А. С. Пушкин называл “Горе от ума” “высокой комедией”, сравнивая ее с произведениями Шекспира и противопоставляя традиционным комедиям классицизма, так как, кроме комического, в ней присутствует и трагическое начало.

“Горе от ума” – первое реалистическое произведение русской литературы, построенное на смешении комических и трагических элементов.

Комедия написана вольным или, как его еще называют, разностопным ямбом, что делает речь героев гибкой, пластичной и наиболее приближенной к разговорной речи. Кроме того, речь каждого персонажа индивидуализирована. Она служит средством более полного раскрытия характера персонажей пьесы. Так, встречаются просторечия (в репликах Фамусова), галлицизмы (у представительниц женского пола) и военные термины (у Скалозуба). Пушкин сказал о языке комедии: “О стихах я не говорю, половина войдет в пословицы”, – и оказался прав: “счастливые часов не наблюдают”, “шел в комнату, попал в другую”, “дома новы, а предрассудки стары”, “минуй нас пуще всех печалей и барский гнев, и барская любовь”.

В характеристиках и образах героев также заключается комизм произведения. Если в традиционной классической комедии смешное возникало вследствие комических ситуаций, в которые попадали герои, то в “Горе от ума” комизм заложен в несоответствии внешнего и внутреннего мира героя, в том, какой он есть на самом деле и каким хочет казаться.

Скалозуб со своим невысоким интеллектом, пытающийся шутить с претензией на оригинальность, выглядит просто смешно. От его шуток отдает военщиной: “Москва – дистанция огромного размера”, “Мы с нею вместе не служили”.

Грибоедов использует множество комических приемов для раскрытия образов своих героев. Один из них – это их поведение. Своими поступками и действиями они сами ставят себя в смешное положение. Фамусов сначала заигрывает со своей служанкой Лизой, а затем характеризует себя как человека, известного “своим монашеским поведением”. Княгиня Тугоуховская посылает своего мужа пригласить Чацкого к себе, но, узнав, что он небогат и нигде не служит, кричит: “Князь, князь! Назад!”. Кроме того, герои в своих речах самораскрываются, то есть речь служит средством раскрытия характера персонажа. Так, Скалозуб, мечтающий лишь о том, чтобы “досталось только в генералы”, повествуя о путях повышения по службе, говорит:

Довольно счастлив я в товарищах моих,

Вакансии как раз открыты;

То старших выключат иных,

Другие, смотришь, перебиты.

Перед нами возникает образ военного, который добивается повышения не благодаря личным качествам или проявленной в бою храбрости, а лишь за счет удачно представившегося случая.

Помимо этого Грибоедов в комедию вводит мотив глухоты, которая выступает как реальный недостаток и как мнимая болезнь. Глухота реальная представлена в таких ситуациях, как момент приглашения Чацкого в дом к Тугоуховским, а также графиней-бабушкой. Глухота мнимая занимает большое место в произведении. Ею страдают большинство персонажей комедии: Чацкий, Фамусов, Молчалив. Они слушают друг друга, но не слышат, они слышат только то, что хотят услышать и истолковывают слова собеседника, как им хочется. Так, Софья прямо говорит Чацкому, что она любит Молчалина, а тот думает: “Обманщица, смеялась надо мной”, – не в силах поверить в такое, прекрасно зная Молчалина. Так и разговор Фамусова и Чацкого, когда ни один из героев не слушает другого, пытаясь доказать свою правду.

Воссоздавая реальную картину жизни русского общества первой четверти XIX века, Грибоедов показывает власть женщин в обществе. Молча-лин советует Чацкому съездить к Татьяне Юрьевне, чтобы добиться покровительства, ведь “чиновные и должностные – все ей друзья и все родные”. Комично выглядит и Платон Михайлович Горич, бывший некогда товарищем Чацкого, но со времени женитьбы превратившийся в безвольного человека, полностью подчинившегося своей жене, в послушного “мужа-мальчика, мужа-слугу”, выполняющего роль игрушки при супруге. Показательны в этом отношении слова Натальи Дмитриевны: “Мой муж-прелестный муж”, напоминающие фразу Молчалина о шпице Хлестовой: “Ваш шпиц – прелестный шпиц”.

Наконец, Грибоедов в своей комедии использует такой литературный прием, как “кривое зеркало”: автор вводит пародийного двойника Чацкого – Репетилова, в образе которого все недостатки Чацкого показаны в преувеличенном виде. У обоих прослеживается страстное желание говорить, причем им все равно, слушают их или нет. Оба считают себя представителями передовой дворянской молодежи, только Чацкий считает себя по праву таковым, а Репетилов выдает желаемое за действительное. Оба героя появляются в не совсем подходящее время: Чацкий – рано утром, а Репетилов – поздно вечером. Оба с порога объясняются в любви: Чацкий – Софье, а Репетилов – Чацкому. Оба падают на колени: Чацкий – перед Софьей, а Репетилов – перед Чацким.

Но в комедии, кроме комического, присутствует и трагический пафос, который связан, в первую очередь, с Чацким. Начало трагизма мы видим уже в названии самой пьесы, из которого следует, что ум несет человеку несчастье. В комедии показан кризис идей Просвещения, утверждается мысль, что ум не всесилен, что при помощи только передовых идей изменить общество невозможно. В реальной жизни приходится выбирать: либо счастье, либо ум, либо подчинение большинству и спокойная жизнь, без всяких тревог и забот, либо бунтарство и изгнание. Чацкий выбрал второе, за что и поплатился. Первая причина трагедии Чацкого заключается в том, что он слеп в своей любви к Софье. Он настолько увлечен своим чувством, что не видит очевидного: Софье нужен не умный, просвещенный человек, а Молчалив, из которого можно легко сделать “мужа-мальчика, мужа-слугу”. Герой понимает это слишком поздно. Его любовная трагедия неразрывно связана с общественной, ведь это именно она явилась причиной возникновения общественного конфликта, заключающегося в столкновении идей “века нынешнего” и “века минувшего”. Чацкий не замечает очевидных вещей и “мечет бисер перед Репетиловыми”. Именно передовой разум Чацкого стал причиной трагедии общественной и сделал ее неизбежной. Он не мог быть понят застойным, косным обществом, ибо его идеи противоречили интересам этого общества, а его обличительные речи нарушили спокойное существование московского барства, которое выставило против героя свое оружие – сплетню о его сумасшествии, объявив его социальным безумцем, изгнало его из своей среды. И Чацкому ничего не оставалось делать, как бежать из Москвы.

Таким образом, в комедии “Горе от ума” на равных переплетаются комическое и трагическое. Этим же путем пойдет русская драматургия и в дальнейшем в произведениях Н. В. Гоголя и А. П. Чехова.

Имя Чингиза Торекуловича Айтматова хорошо знакомо русскому читателю. Его произведения воспитывают чувства человека, учат воспринимать красоту окружающего мира.

Героиня повести “Материнское поле” Толгонай, вспоминая первый хлеб первого урожая, который вырастил ее старший сын – комбайнер Касым, говорит: “Это был народный хлеб – тех, кто вырастил его, тех, кто сидел в тот час рядом с сыном моим на полевом стане. Святой хлеб! Сердце мое переполнилось гордостью за сына, но об этом никто не знал. И я подумала в ту минуту о том, что материнское счастье идет от народного счастья, как стебель от корней. Я и сейчас не отрекусь от этой святой веры, что бы ни пережила, как бы круто жизнь ни обращалась со мной. Народ жив, потому и я жива…” Надо помнить о том, что слова эти говорит мать, родившая, растившая, воспитавшая трех сыновей, а потом одного за другим потерявшая их на войне. Надо помнить о том, что говорит она эти слова не с трибуны… Она просто рассказывает о своей жизни другой великой Матери – земле, которой не солжешь, перед которой не сфальшивишь. И вот, поняв это, нам становится предельно ясна позиция автора: в обществе судьба одного человека – неотрывная часть судьбы всенародной. Слова эти могли бы оставаться правдивыми, прекрасными, но все же привычными словами, если бы их высокая сущность не нашла бы воплощения в художественных образах, созданных такими крупными мастерами, каким является Ч. Айтматов.

В повести “Первый учитель” Ч. Айтматов ставит перед собой задачу большую: создать могучий реалистический образ коммуниста-ленинца, показать плоды его подвига, идейную и нравственную связь между ним и новым поколением.

Грустно признавать, что порой мы просто привыкаем к людям, которые причастны к великим событиям, к незабываемым годам прошлого нашей страны. Ч. Айтматов создал живую легенду об одном из таких людей – о первом учителе из аила Куркуреу Дюйшене Таштанбекове. Этот образ очень реален. Поймет ли современный образованный человек титанический труд и беспримерное мужество этого человека, подвиг, совершенный им, сможет ли он хотя бы приблизительно представить себе условия и обстоятельства, в которых пришлось работать Дюйшену. Эта повесть укладывается всего в двух печатных листах, а какой накал страстей, какие социальные и психологические проблемы и сложный авторский замысел. Куркуреу – аил небольшой. После революции большинство населения Киргизии жило именно в таких маленьких, глухих аилах. Для них советская власть еще не означала освобождения от вековых традиций, тьмы и отсталости. Возможно, дехкане Куркуреу совсем бы выгнали Дюйшена, не будь у него официальной бумаги. Ибо, в сущности, кто для них такой Дюйшен? Сын бедняка. Но бумага с печатью останавливает людей. “В ней вся сила”,- говорят аильчане. Дюйшен страстно берется за дело. Чистит и ремонтирует под школу заброшенную байскую конюшню, помогает детям, кого на руках, кого на спине переносит в школу через обжигающий ноги ледяной ручей, мужественно защищает свою лучшую ученицу Алтынай. Как трудно было им заложить фундамент знаний, на котором вырастут будущие ученые, инженеры, летчики, учителя – строители культуры, нашего будущего.

Подвиг Дюйшена не только в том, что он пробуждает в аильских детях жажду к знаниям, он влияет и на все взрослое население Куркуреу. Вначале он одинок, потом его поддержи –

585вают односельчане, в первую очередь самый прямолинейный противник просвещения Сатымкуль: “Что уж там говорить, мы тоже кое-что понимать стали”. Это значит, Дюйшен научил отсталый аил думать и чувствовать по-новому, видеть будущее. В повести создан образ несгибаемого коммуниста, становящегося примером для молодежи.

Алтынай и Толгонай, Танабай из “Прощай, Гульсары!” – это поколение, выросшее под прямым влиянием Дюйшена. Оно призвано стать прочным мостом для перехода страны от мрачного прошлого к энергичному будущему. Герои мечтают о будущем, и тут вдруг трагедия войны. На страницах повести трагическое дыхание коснулось не только тех, кто сражался на фронтах, но и кто был далеко в тылу, в киргизских степях и городах.

Шла война, а дети войны, минуя отрочество, сразу становились взрослыми мужчинами, так как они наследники Дюйшена.

Художественное и воспитательное значение творчества Чингиза Айтматова непреходяще, так как в нем органически связаны думы о Родине, разных поколениях, о непрерывающейся связи времен.

Героями пьес Островского чаще всего становятся женщины. Безусловно, эти женщины являются незаурядными и неординарными личностями. Достаточно вспомнить героиню драмы “Гроза” Катерину. Она настолько эмоциональна, впечатлительна, что особняком стоит среди других героев пьесы. Судьба Катерины чем-то похожа на судьбу другой героини Островского. В данном случае речь идет о пьесе “Бесприданница”.

Ларисе Огудаловой пришлось испытать равнодушие и жестокость окружающих, пережить любовную драму, и в результате она гибнет, так же как и героиня “Грозы”. Но при кажущейся схожести Лариса Огудалова – обладательница совсем иного характера, нежели Катерина Кабанова. Девушка получила великолепное образование. Она умна, утонченна, образованна, мечтает о красивой любви, но изначально ее жизнь складывается совсем иначе. Она бесприданница. Мать Ларисы очень корыстолюбива. Она торгует красотой и молодостью своих дочерей. Старшие сестры Ларисы уже “пристроены” благодаря заботам оборотистой родительницы, но, к сожалению, их жизнь складывается весьма и весьма трагично.

Лариса Огудалова влюбляется в “блестящего барина” Сергея Сергеевича Паратова. Она искренне считает его идеалом мужчины. Барин обладает состоянием, он полностью соответствует представлению о знатном и образованном человеке. Внутренняя сущность его раскрывается позже. Лариса молода, неопытна, поэтому она попадается в ловушку Паратова, губит себя. Она не обладает сильным характером и становится игрушкой в руках окружающих. Дело доходит до того, что девушку разыгрывают в орлянку. Окружающие считают ее вещью, дорогой и красивой забавой, а ее возвышенная душа, красота и талант оказываются не важны. Карандышев говорит Ларисе: “Они не смотрят на вас, как на женщину, как на человека… они смотрят на вас, как на вещь”.

Она сама соглашается с этим: “Вещь… да, вещь! Они правы, я вещь, я не человек…”.

Лариса обладает пылким сердцем, она искренна и эмоциональна Она щедро дарит свою любовь, но что получает взамен? Для своего любимого человека Лариса является очередным развлечением, забавой. От отчаяния она даже соглашается принять условия Кнурова.

Гибель является своего рода спасением для Ларисы, спасением духовным, разумеется. Столь трагичный финал спасает ее от тяжелого выбора, который она пытается сделать, спасает от нравственной гибели и падения в пропасть, именуемую развратом.

“Снегурочка” написана Островским по мотивам и материя,. устного народного творчества. Драматург дает пьесе подзаголо ^ “Весенняя сказка” и поясняет: “Действие происходит в Стп * берендеев в доисторические времена”. В пьесе, как в сказке ряду с людьми действуют Весна-Красна, дед-Мороз, Леший, ЭДа леница, сама героиня – Снегурочка, дочка Мороза и Весны. И в же Страна берендеев – не совсем сказочное место. Все, что проис ходит в “весенней сказке” Островского,- это ранняя пора жизни русского народа, память о которой он сохраняет в преданиях и песнях, уцелевших от седой старины. Самое имя “Берендей” Островский не выдумал: под старинным городом Переяславль-Залес-ском доныне тянется Берендеево болото, на месте которого, по преданию, будто бы было Берендеево царство. До сих пор в 100 км от Сергиева Посада существует село Берендеево. У Даля в его “Толковом словаре живого великорусского языка” читаем: “… в 50 верстах от села Берендеева режут из дерева известные игрушки, людей, животных; их в торговле зовут берендейками”. Имя сказочного царя Берендея хорошо знакомо русскому люду, хотя в истории не было такого человека. Фантазией драматурга создан “мудрый отец” своего народа. Берендей – настоящий сказочный царь, но зато в чертах его народа – берендеев – Островский показал красоту и силу русского национального характера. Любуясь народными играми купальской ночи, царь Берендей справедливо судит: Народ великодушный Во всем велик – мешать с бездельем дело Не станет он: трудиться так трудиться, Плясать и петь так вдоволь – до упаду. В плясках и песнях чувствуется жизненная сила, творческая бодрость народа, его способность столь же беззаветно отдаваться труду, как теперь он отдается веселью. Но Островский заставляет царя Берендея слушать и другие песни народа. Вещие старцы-гусляры поют сурово и грозно. Что мне звенит по заре издалече? Слышу и трубы и ржание коней. Глухо стези под копытами стонут. Тонут В сизых туманах стальные шеломы, Звонко бряцают кольчатые брони, Птичьи стада по степям пробуждая. грозная и суровая песня о воинской защите родной зем – далеких походах с целью обороны ее рубежей от наше – лй’ а “очевников. Слушая песню гусляров, нельзя не вспомнить во о полку Игореве”, откуда Островский много заимство – создавая эту песню. Его берендеи – русский народ, мирный в труде, веселый в йявах, но суровый и грозный в час обороны родины от врагов. Тема любви к Руси согревает всю “Снегурочку”, это поэти-еское повествование о раннем периоде жизни нашего народа, когда он еще чтил солнце – Ярилу. В сказке Островского звучит подлинная Русь, ее предания, сказы, герои и сам дух народа. Интересен образ Леля. Это один И3 лучших образов русской драматургии: трепетный и нежный, ясный и веселый, живущий в согласии с самим собой и природой. Снегурочка в передаче Островского – сама доброта и нежность, но ее чувства пока дремлют, душа не воспринимает окружающий мир. И лишь открыв свое сердце людям, она ощущает счастье, сгорает в этом огне восторженная. Но что со мной: блаженство или смерть? Какой восторг! Какая чувств истома! О, мать-Весна… благодарю за радость, За сладкий дар любви! Какая нега Томящая течет во мне! О Лель, В ушах твои чарующие песни, В очах огонь… и в сердце… и в крови Во всей огонь. Люблю и таю, таю От сладких чувств любви. Островский сумел передать саму музыку народных сказов, эстетику народного понимания любви. Снегурочка знает, что любовь ее погубит, но жить бесчувственной не хочет и не желает быть причиной гибели Мизгиря. В “Снегурочке” Островский – большой поэт, мастер русского стиха, передал саму суть народного напева, он же использовал и подлинные фольклорные песни, например, “А мы просо сеяли…”. Эта красивая сказка стала ярким воплощением таланта русского народа и его певца – А. Н. Островского

От трагедий V века сохранились произведения трех наиболее значительных представителей жанра – Эсхила, Софокла и Эврипида. Каждое из этих имен знаменует исторический этап в развитии античной трагедии.

Эсхил, поэт эпохи становления афинского государства и греко-персидских войн, является основоположником античной трагедии в ее установившихся формах, подлинным “отцом трагедии”. Эсхил – творческий гений огромной реалистической силы, раскрывающий с помощью мифологических образов историческое содержание того великого переворота, современником которого он являлся, – возникновения демократического государства из общества, связанного со многими пережитками родового строя. Биографические сведения об Эсхиле, как и вообще о преобладающем большинстве античных писателей, очень скудны. Он родился в 525 г. в Элевсине и происходил из знатного земледельческого рода. В юности он был свидетелем свержения тирании в Афинах, установления демократического строя и успешной борьбы афинского народа против интервенции аристократических общин. Из трагедий Эсхила видно, что поэт является сторонником демократического государства, хотя и принадлежал к консервативной группировке внутри демократии. В борьбе с персами Эсхил принимал личное участие, сражаясь при Марафоне, Саламине и Платеях. Политические симпатии Эсхила очень заметно проявляются в его произведениях. Античные ученые насчитывали в литературном наследии Эсхила 90 драматургических произведений (трагедий и драм) целиком сохранилось только семь трагедий, в том числе одна полная трилогия. Кроме того, 72 пьесы известны нам по заглавиям, из которых обычно видно, какой мифологический материал в пьесе разрабатывался.

Второй великий трагический поэт Афин V века – Софокл (родился около 496 г, умер в 406 г.). родиной Софокла был Колон, предместье Афин, прославленное поэтом в его предсмертной трагедии “Эдип в Колоне”. По происхождению Софокл принадлежал к состоятельным кругам; он получил традиционное гимнастическое и музыкальное образование и, по античным сообщениям, не раз одерживал победы на состязаниях в обоих этих искусствах. В молодости близкий к Кимону, вождю реакционной землевладельческой группировки, Софокл впоследствии примкнул к Периклу, но до конца жизни держался лишь умеренно-демократических взглядов. Первая победа Софокла на трагических состязаний относится к 468 г., последняя трагедия – “Эдип в Колоне” – была написана уже незадолго до смерти. Он 24 раза получил на состязаниях первый приз и ни разу не оказывался на последнем месте.

Драматургическое творчество Эврипида протекало почти одновременно с деятельностью Софокла, хотя в совершенно ином направлении. Эврипид родился около 480 г., умер в 406 г., за несколько месяцев до смерти Софокла. Первые пьесы Эврипида были поставлены в 455 г., и с этого времени он в течение почти целого полувека был самым видным соперником Софокла на афинской сцене. Успеха у современников Эврипид достиг не скоро; успех этот не был прочным. Свыше двадцати раз он выступал со своими произведениями на трагических состязаниях, но афинское жюри за все это время присудило ему лишь пять первых призов, последний раз уже посмертно. Зато впоследствии, в период разложения полиса и в эллинистическую эпоху, Эврипид стал любимым трагическим поэтом греков. Популярность Эврипида в поздней античности отразилась на судьбе его литературного наследия.

Язык романа “Тихий Дон” Михаила Шолохова неординарен. Нельзя сказать, что Шолохов открыл что-то новое в русской словесности, но в целом – по совокупности признаков – его проза выделяется среди общей массы произведений того времени. Рассмотрим некоторые детали, характерные для романа.

Первое, что привлекает внимание, это диалектная лексика и просторечия. Используются они не только для обозначения бытовых реалий (“майдан”, “баз”, “курень”, “жалмерка” и т. п.), но значительно шире: и реплики персонажей, и авторский описания, частично изложены на диалекте (“гутарили про него на хутору чудное…”). Кроме того, экспрессивность текста значительно повышается благодаря частому (по два-три раза на страницу) появлению эмоциональных морфологических производных: “непролазь”, “клешнятый”, “заосенять”. Такое пристрастие к диалектизмам может диктоваться как происхождением самого Шолохова, так и его желанием полнее погрузит читателя в мир донского казачества.

Следующая особенность стиля “Тихого Дона” – это его высокая метафоричность. Причем метафоры слабо организованны или неотобранны: они не выстраиваются в смысловой ряд, ассоциации носят локальный, дробный характер. Особенно нагружены метафорами пейзажи, картины природных явлений. Неоднородность образного ряда можно показать на примере описания грозы, разворачивающегося в пределах полутора страниц: сначала “первые зерна дождя засевали отягощенную внешней жарой землю”, затем “над самой крышей лопнул гром, осколки покатились за Дон”, и, наконец, “дождь царапал ставни”. В результате впечатление динамики процесса достигнуто, но образы не построены по аналогии, они ситуативны, принадлежат каждой конкретной фразе. При всем при этом метафоры Шолохова весьма оригинальны, некоторые из них сделали бы честь большому поэту. Многие сейчас уже затерты подражаниями (“полынная проседь”, “под уклон сползавших годков”), но в то время это было новое веяние. Объяснением вышесказанного может быть молодость и неопытность талантливого писателя по началу и его нежелание менять устоявшийся стиль затем.

С перегруженностью метафорами – по контрасту – сочетается прозрачность и простота синтаксиса. Текст написан короткими предложениями, преимущественно простыми. Когда описываются некоторые действия, то каждой фазе соответствует свое предложение. Ярким примером служит следующий отрывок: “Перед светом привезли старика домой. Он жалобно мычал, шарил по горнице глазами, отыскивая спрятавшуюся Аксинью. Из оторванного уха его катилась на подушку кровь. Ввечеру он помер. Людам сказали, что пьяный упал с арбы и разбился”. Короткие предложения не дают читателю оторваться, держат его в постоянном напряжении. Изредка появляются деепричастные обороты: без них текст был бы слишком сух. Неосложненные предложения, возможно, на уровне подсознания еще раз подчеркивают простоту нравов казаков. Это подтверждается и тем, что степень сложности синтаксиса зависит от тематики эпизода. Обычно усложнение происходит в главах с выраженной лирической тональностью, тогда как простые синтаксические конструкции чаще присутствуют в изобразительных главах.

Еще одной особенностью языка “Тихого Дона” является сравнение человека с животными, не только в физическом, но и в духовном плане. Речь идет не просто о прямых сравнениях (“шел Степан под гору, как лошадь, понесшая седока”), но и о детализации описаний, когда у читателя возникает впечатление схожести со зверем, просто от изображения действия: “когда поворачивает Григорий голову, носом втыкаясь Аксиньи в подмышку”, “Аксинья, вихляя все своим крупным, полным телом, пошла навстречу”. К тому же, имеющиеся в романе сравнения с животными не пусты. Когда написано “так кидает себе волк на хребтину зарезанную овцу”, персонажи действительно ведут себя так, двигаясь в соответствии с повадками упомянутых зверей. Такие сравнения показывают иногда исподволь, а иногда и явно близость героев и природы, которая является для Шолохова символом продолжения жизни.

Изучению своеобразия языка Михаила Шолохова в романе “Тихий Дон” можно посвятить не одну книгу. Но даже особенностей, перечисленных выше, достаточно для того, чтобы сделать выводы о чертах, отличающих творчество писателя и возможных причинах их появления.

В романе “Тихий Дон” мы видим, как тесное переплетения истинного таланта писателя, своеобразия народного языка юга России и нравов казачества образовали живой и колоритный мир, который надолго остается в памяти читателя.

Роман Достоевского “Преступление и наказание” был написан в шестидесятые годы XIX века. Это было смутное для России время. В России углубились социальные противоречия. Достоевский выступает против общества, которое толкает человека на преступление. Писатель говорит, что человек должен иметь право на нормальную жизнь. В то время в России личность часто теряла свою самостоятельность и попадала в зависимость от “новейших” идей. Именно такая идея и захватила Раскольникова. Человек стал рабом своей теории.

Главный герой романа – бывший студент Петербургского университета Родион Раскольников. Уже с первых страниц романа он погружен в болезненное состояние, порабощен философской идеей, допускающей “кровь по совести”.

Раскольников наблюдал за жизнью, размышлял над событиями истории и решил, что развитие истории происходит за счет чьих-то страданий, жертв. Есть люди, безропотно всему подчинявшиеся, – “твари дрожащие”. А есть люди, устанавливающие свои правила, играющие судьбами “обыкновенных”, нарушающие моральные устои общества, – “сильные мира сего”.

“Сильные мира сего” разрешают себе пролитие крови и жертвенность со стороны масс, прикрывают свои преступные действия идеями, якобы направленными на прогресс общества. Но это далеко не так.

Идея Раскольникова совсем не наивна. Это крайнее выражение идеологией, рожденный капиталистическим обществом. Беспощадность по отношению к массам, карьеризм, попрание законов – все это составные части его теории.

Поделив людей на две категории, Раскольников сталкивае5тся с вопросом, к какой же категории принадлежит он сам: “…Вошь ли я, как все, или человек? Смогу ли я переступить или не смогу? Осмелюсь ли нагнуться и взять или нет? Тварь ли я дрожащая или право имею?..”. Убийство старухи-процентщицы – это самопроверка героя: выдержит ли он эту проверку? Является ли он избранным, исключительным человеком, Наполеоном?

Вынашивая свою идею, Раскольников мечтает о роли властелина и спасителя человечества одновременно. Но главным и решающим в его жизни являлась самопроверка. Он признается Соне Мармеладовой: “Не для того, чтобы матери помочь, я убил – вздор! Не для того и убил, чтобы, получив средства и власть, сделаться благодетелем человечества. Вздор! Я просто убил; для себя убил, для себя одного…”

Однако нравственность и логика героя постоянно переплетаются с его душой, заставляющей совершать “нелепые” поступки: сострадать несчастью Мармеладовых, жалеть опозоренную девочку на бульваре, ненавидеть свидригайловых и лужиных.

“На такой дело хочу покуситься и в то же время каких пустяков боюсь!” – думает Раскольников, пораженный страхом встречи с квартирной хозяйкой. Герой считает унижением свою причастность к “обыкновенным” людям. Черты обыкновенности он в себе презирает. Так возникает конфликт между сознанием Раскольникова и его поведением. В нем живут и действуют два человека одновременно: одно “я” контролируется сознанием героя, а другое совершает безотчетные душевные движения и поступки. Нужно заметить, что Раскольников идет на преступление, потеряв всякий контроль над собой, движения его механические, речь обрывиста, бессвязна, руки дрожат, все как в бреду: “Он чувствовал, что теряется, что ему почти страшно, до того страшно что кажется… он бы убежал от нее…”.

Оказавшись во власти идеи, одержимый ею, Раскольников потерял в ходе преступления всякую ориентировку в хаосе “мелочей”. Под проверку его теории попала Лизавета, то беззащитное существо, ради счастья которого Раскольников допускал “кровь по совести” и убийство которого не входило в его планы. Моя точка зрения заключается в том, что из-за убийства Лизаветы Раскольникова и начала мучить, глотать и “сжирать” совесть. Лизавета оказалась исключением из теории Раскольникова.

Достоевский описывает необходимость ответственного и осторожного обращения человека с общественными теориями, которые способны воспламеняться в мыслях людей, порабощая их сознание и волю, превращая их в бездумный исполнителей.

Я считаю, что трагедия Раскольникова – это трагедия одной души. Но что произойдет, если переход идей совершится не в пределах одного самосознания, а в процесс будут вовлечены двое, трое, сто тысяч? Я думаю, что никакая идея не стоит того, чтобы за нее убивать, пусть даже и очень важная. Хотелось бы найти компромисс и решить проблемы, идеи, вопросы без жертв.

Больше всего на свете мне нравится рисовать и придумывать разные истории. Это занятие позволяет мне расслабиться и отдохнуть после школьных уроков.

У меня на столе всегда лежит стопка чистых листов бумаги и простой карандаш. Сначала я рисую какого-нибудь человечка, затем придумываю ему историю и зарисовываю ее на бумаге.

Я так увлекаюсь, что забываю обо всем на свете. Вместе со своими героями я путешествую в неизведанных мирах, совершаю кругосветные плавания или переношусь на таинственные планеты.

Часто героями моих фантазий бывают мои школьные друзья. Недавно я придумал историю а том, как мы с моим другом Ильей полетели на нашем мегалете к далекому Юпитеру, но по пути были вынуждены сделать непредвиденную посадку на спутнике Юпитера – Ганимеде. Там мы обнаружили два враждующих племени – Гани и Меды. Нам пришлось проявить смекалку, чтобы примирить их. Они оказались отличными ребятами, с ними не хотелось расставаться, но нам нужно было лететь дальше.

А еще я люблю на волшебном батискафе опускаться в пучину океана и путешествовать по волнам фантазий.

Самое главное, что мои нарисованные истории помогают восстановить силы, я как будто заряжаюсь от них энергией.

После такого отдыха я с удовольствием выполняю уроки, помогаю маме по дому и еще успеваю поиграть с ребятами во дворе.